De Acordes: a despedida

Tras tres meses desfrutando da música, hoxe rematamos o Ciclo Temático De Acordes, e desde a Biblioteca Fórum Metropolitano queremos dar as grazas.

Grazas a Sabela, Paula, Laura,  Maikol, Lucas, Helena, María, Laura, Daniel G. Artés e María García do Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia polo marabilloso encontro que tivemos na Biblioteca.

Grazas ao Coro Xove ao completo polo concerto no que desfrutamos de música de épocas e estilos moi diversos.
Actividades Ciclos Temáticos BForum

Grazas a Xardín Desordenado pola súa fermosa homenaxe a Carlos Casares, na que a través do swing, o blues e a bossa nova achegáronnos aos seus textos.

Grazas a Manoele de Felisa por  facer que grandes e pequenos se acheguen á poesía musicalizada.

E grazas a todos vós por pasar estas tardes musicais con nós e por gozar da selección de libros e música que fixemos con tanto agarimo.

Que non pare a música!

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Lista de Reprodución Forum: ritmos do mundo

Achégase a tempada estival e para celebralo, convidámosvos a unha viaxe na que, sen preocuparnos de maletas, visados, trasbordos, etc.,  nos achegaremos a ritmos africanos, asiáticos, europeos e americanos.

Comezamos o percorrido por Europa, onde nos atopamos con músicos de Portugal, Inglaterra, Finlandia e Grecia; como a Raíña do Fado, Amalia Rodrigues, quen compuxo o poema Ó Gente da Minha Terra, tema popularizado por Mariza; Talvin Singh, coñecido pola súa fusión de música clásica india, batería e baixo. Tamén visitamos á considerada “a voz da Grecia contemporánea”, Elefthería Arvanitáki. O seu tema Dinata, incluído no álbum Quédome fora (1991), mestura influencias balcánicas e música electrónica, e foi interpretado na cerimonia de clausura dos Xogos de Atenas (2004). Ambos, canción e disco, foron fundamentais para convertela na cantante helénica máis internacional.

Continuamos cun pouco de música de Mali, Senegal, Serra Leona, Camerún, Guinea Ecuatorial, República Democrática do Congo, Sudáfrica, Etiopía e Exipto. No continente africano, desfrutamos da música de Baaba Maal, un dos músicos senegales máis coñecidos; e Hijas del Sol, o dúo afropop formado por Piruchi Apo e Paloma Loribo. No seu primeiro álbum, Sibèba (1995) combinan temas compostos por elas e a música tradicional bubi (da illa de Bioko, en Guinea Ecuatorial), na súa lingua natal e en castelán. Tratan os problemas cos que se atopaban en España os inmigrantes ecuatoguineanos, e as tradicións bubis e católicas. Destacamos o tema que da nome ao disco.

Xa en Asia, imos cara Israel e a India. Na primeira parada escoitamos a Yasmin Levy, filla do musicólogo Yitzhak Levy, co seu particular xeito de interpretar a música xudeo-española medieval. Fusiona sons flamencos e instrumentos tradicionais, como o violín ou o piano.

Seguindo o traxecto lembramos ao virtuoso do sitar, Ravi Shankar. Pai da cantante estadounidense Norah Jones e da directora de orquestra Anoushka Shankar,  o músico hindú máis coñecido do mundo, posuíu o Récord Guinness á carreira  internacional máis longa. Do seu álbum Inside the Kremlim (1988) escoitamos Tarana.

E rematamos a nosa particular volta ao mundo en América. Visitamos Cuba e Arxentina. Aquí a banda Otros Aires, iniciada en España, cautívanos co seu electrotango, no que mestura de música electrónica, sons de principios do século XX e outros contemporáneos.

Antes de volver, facemos unha última escala en Estados Unidos para escoitar a Pura Fé. A fundadora do trío vocal Nativo Americano Ulali, exerce de portavoz da súa comunidade, a tribu tuscarora. E faino a través do seu repertorio musical, ligado ao blues, pero cunha identidade indíxena, que ela interpreta con guitarras hawaianas. Destacamos Let Heaven Show, do seu album Hold the Rain (2007)

Aquí tedes a Lista de Reprodución ao completo. Nela podedes ver unha pequena mostra deses ritmos de arredor do mundo que temos na Biblioteca Fórum. Se queredes continuar esta particular viaxe, non esquezades vir para levar os álbums dos traballos seleccionados.

Amalia, Iago Machado (int. Susana Pereira)Ó gente da mina terra. Baaba Maal – Tindo Quando. Cheikh Lo – Il N’est Jamais Trop Tard. Dub Colossus – Azmari Dub. Eleftheria Arvanitaki – Dinata. Hijas del Sol – Sibèba. Hossam Ramzy – Gamaal Oyounik. Ismaël Lo – Tajabone. Lokua Kanza – Nakozonga. Manu Dibango – Soul Makossa. Otros Aires – No se. Oumou Sangare – Sounsoumba. Pura Fe – Let Heaven Show. Ravi Shankar  – Tarana. Sanna Kurki-Suonio – Ei Musta. Sierra Leone’s Refugee All Stars – Oruwiebie. Ska Cubano – Cumbia en Do Menor. Smod – Cumbia en Do Menor. Staff Benda Bilili – Moziki. Susheela Raman – Ye Meera Divanapan Hai. Talvin Singh – It’s Not Over. Tinariwen  – Tenhert. Vusi Mahlasela – When you come back. X Alfonso – Ya déjame. Yasmin Levy – Yigdal. Youssou N’Dour –   Couple’s Choice.

‘The Joshua Tree’ o la dulce nostalgia del idealismo

Imagen de uno de los primeros conciertos de la gira de celebración por el 30 aniversario de TJT

2017 está siendo un año de celebración de un montón de aniversarios de discos icónicos que marcaron época. No hace mucho comentábamos por aquí el medio siglo de ‘The Doors’, y es también el 50 cumpleaños de otro gran clásico americano, pero en este caso de la costa este, el debut de la Velvet Underground & Nico, otro álbum de enorme influencia dentro del mundo del rock´n´roll. Y, vaya, del Sgt. Pepper´s de los Beatles, y de The Piper at the Gates of Dawn, el debut de Pink Floyd… 1967, el año del Verano del Amor, no podía sino engendrar todas estas criaturas maravillosas y otras muchas. No conviene recrearse en la nostalgia, dicen, pero, por otro lado, casi resulta inevitable caer en la tentación de detenerse un momento ante tamañas efemérides para reflexionar y recapacitar sobre el impacto de todos estos artefactos en la cultura popular del último medio siglo. Tiempo habrá de hablar, si no de todos, de algunos de ellos. Sin duda, lo merecen.

Pero este año también es el aniversario de otro disco emblemático más reciente y que está estos días de actualidad por múltiples razones, entre ellas por toda la controversia que se genera habitualmente en torno a la banda que le dio a luz: hablamos del 30 aniversario de The Joshua Tree, de U2. No hace tanto analizábamos por aquí el estado y las últimas desventuras de la banda irlandesa, en relación con su último disco –Songs of Innocence, primera entrega de un proyecto que incluye la publicación de una segunda parte que llevará por título Songs of Experience– y su  gira mundial, Innocence & Experience Tour. Comentábamos entonces el punto ciertamente crítico en el que se encontraba la banda respecto a su prestigio y reputación: cómo habían llegado a la extraña situación paradójica de seguir siendo una superbanda de éxito mundial que continua llenando estadios y al mismo tiempo haber entrado en un paulatino pero aparentemente inexorable proceso de pérdida de relevancia e influencia, del cual ellos mismos eran plenamente conscientes, hasta el punto de plantearse la gira y el propio lanzamiento del disco como un desafío sobre su vigencia y status.

Portada original del emblemático álbum de los irlandeses

En ese sentido, la gira ha sido un nuevo éxito, en cuanto a público, con prácticamente todos los conciertos sold out; pero, por otro lado, el disco ha pasado más bien sin pena ni gloria, en términos de repercusión musical, provocando la más absoluta de las indiferencias. Se suponía que en breve iban a sacar Songs of Experience cerrando así el ciclo conceptual del proyecto que aludía a ese dualismo consustancial a todo lo humano, y que previsiblemente presentarían en una segunda manga de la gira. Ese era el plan para volver a recuperar el prestigio perdido y actualizar su vigencia.

Pero, entremedias, se cruzó por el camino el aniversario del disco que les catapultó al estrellato y que les convirtió en la banda más grande del mundo. Ya lo habían celebrado hace una década, con ocasión del 20 aniversario, sacando una edición de lujo, con la consabida remasterización, descartes de última hora, caras B, DVD con un concierto en París de la gira mundial, etc. En fin, en asuntos de negocios U2 siempre han sido muy espabilados y han sabido sacarle su buen partido al tema de las reediciones, merchadising y demás productos. El tema no es ése. La cuestión es que no han sido capaces de resistirse a la tentación de intentar reverdecer laureles aprovechando el tirón del aniversario y, aparte de una inminente nueva reedición de superlujo del disco, la banda se ha embarcado en una nueva gira mundial con 33 shows en 9 países en la que el núcleo central del show es la interpretación íntregra del álbum, como se ha puesto de moda hacer últimamente, las 11 canciones seguidas, de Where the Streets Have No Name a Mothers Of The Disappeared. ¿Es esta la forma de recuperar la relevancia perdida, volviendo a salir de gira con un disco editado hace 30 años? La legión de críticos de la banda debe de estar brindando con champán reserva.

Sea como fuere, la efeméride está ahí, y a nosotros nos sirve de pretexto para revisitar el disco a la luz de su nueva puesta en escena, que, eso sí, como suele ser marca de la casa, una vez más es auténticamente espectacular. Y al hacerlo hay que empezar por las razones que los irlandeses han esgrimido para justificar el volver a sacarlo a la carretera, que básicamente se resumen en la supuesta similitud entre la atmósfera actual y la de mediados de los 80, cuando The Joshua Tree se gestó. Es decir, entre las semejanzas entre la época de Reagan-Thatcher y la de Trump-Brexit: polarización política, división social, crisis económica, manipulación mediática y, en resumen, mucha tensión y ansiedad con respecto al futuro. En ese sentido, el guitarrista The Edge decía en unas declaraciones que, de alguna manera, la situación actual era como una vuelta a esa era de cinismo y codicia.

The Joshua Tree fue la respuesta de U2 al zeitgeist del momento, y de ahí la supuesta pertinencia de su revisión. En un principio, el disco se iba a llamar Las dos Américas, ya que la banda estaba obsesionada con las dos caras, la mítica y la real, del país que por aquel entonces estaban descubriendo, y que para los irlandeses es una especie de tierra prometida. La primera tenía que ver con sus paisajes y espacios abiertos, y con toda la imaginería de esa idea de frontera sin fin que siempre han representado los EE UU; la segunda, con la América que ejercía su poder de forma subrepticia en la lucha contra el comunismo en el contexto del final de la Guerra Fría, en su controvertido papel en los diversos conflictos en curso en América del Sur y Centroamérica. De ahí nacen canciones Bullet The Blue Sky y Mothers Of The Disappeared, denuncias ambas de los pecados de la superpotencia en la región.

El álbum se abría con la proyección sonora de esa América idealizada, la de esos enormes espacios cinemáticos que parecen evocar permanentemente la idea de libertad y reinvención, como quizás la representaban para los primeros colonos. Ellos son la inspiración para las atmósferas de Where The Streets Have No Name y I Still Haven´t Found Where I´m Looking For, los dos primeros temas y singles junto con With Or Without You. Ambos resumen perfectamente el espíritu del disco, una mezcla de épica e idealismo, de romántico anhelo juvenil por satisfacer las ansias de libertad, señas de identidad de la banda por entonces, de las que posteriormente, en Achtung Baby, tratarían de desmarcarse. También, por cierto, el vídeoclip de I Still Haven´t Found… es muy representativo de ese espíritu, con la banda interpretando esa canción gospel por las calles de Las Vegas, el corazón de la Babilonia americana, con una estética austera, a medio camino entre los amish y los mormones, que contrasta con el lujo y el exceso de la capital mundial del juego.

A continuación, la balada With Or Without You, otro de sus temas más representativos, pinchado desde entonces en toda radio fórmula que se precie casi ad nauseam, junto con la mencionada Bullet The Blue Sky Running To Stand Still, sobre el impacto del consumo de heroína en el entorno del complejo de edificios conocido como Las Siete Torres en Dublín, cerraban una de las caras A más completas y redondas de la historia de la música pop, columna vertebral desde entonces del repertorio de la banda y cénit de su carrera. Hay una anécdota, por cierto, muy curiosa sobre como se produjo el proceso de selección del orden de las canciones. Resulta que se encargó de ello la mujer de Steve Lillywhite, productor adicional del disco, que acudió al rescate -como en haría en más ocasiones en el futuro- cuando el disco estaba estancado en las mezclas finales. Como se aburría durante el proceso, les pidió que le dieran algo para hacer y la tarea asignada fue la de ordenar los temas, la cual llevó a cabo con un olfato remarcable.

La cara B, sin embargo, recoge seis temas menores que en su momento completaban el disco de manera satisfactoria pero que desde entonces apenas han vuelto a tocar en directo hasta esta gira, con la excepción ocasional de In God´s Country y también Mothers Of The Disappeared, la cual, por ejemplo, tuvieron la osadía de tocar en Santiago de Chile, en una gira posterior, invitando a subir al escenario a las auténticas madres de los desaparecidos durante la dictadura de Pinochet para darles voz y visibilidad, en un concierto que, además, estaba siendo emitido en directo por la televisión pública para todo el país y que generó una enorme división.

Ahora, 30 años después, el álbum que marcó una época y encumbró a aquella banda dublinesa emergente a mediados de los años 80 vuelve a la vida para ajustar cuentas con un presente que parece involucionar retrotrayéndonos a un pasado de desconfianza y aislamiento que se creía superado. La polémica, una vez más tratándose de U2, está servida. ¿Es pertinente un flashback de tres décadas para intentar recuperar el idealismo perdido? La respuesta podremos conocerla el 18 de julio en el Estadio Olímpico de Barcelona, única fecha en España de la gira. O quizás volviendo a hacer una inmersión a fondo en el disco en cualquiera de las ediciones especiales por el treinta aniversario que salen a la venta el 2 de junio.

Lista de Reprodución Fórum: os nosos recomendados

Na Biblioteca Fórum seguimos con De Acordes, a nosa mostra bibliográfica dedicada á música. Así que para este mes, entre tódolos compañeiros elaboramos unha Lista con algúns dos nosos discos favoritos.

E como somos tan distintos, obtivemos unha selección realmente variada, na que vos atoparedes con temas chill out, post-metal, gypsy jazz, soul, folk, rock, pop, música popular brasileira e ata temas de película. Agardamos que vos guste.

O cantante e compositor de música soul Benjamin Duterde, coñecido polo seu nome artístico Ben L’Oncle Soul, era un apaixonado do soul e a música negra desde antes de nacer por herdanza materna. Comezou a súa carreira musical no 2004 nun grupo góspel chamado Fitiavana. Nos inicios da súa carreira en solitario facíase chamar Oncle Ben, pero en 2009 cambiouno, para evitar equívocos coa marca de arroz Uncle Ben’s. Ademais do soul, tamén lle gusta o hip-hop e colaborou, tanto no escenario, como compoñendo temas, con artistas como Oxmo Puccino ou Hocus Pocus. O seu primeiro álbum Ben L’Oncle Soul (2010) conta con cancións en inglés e francés, que desprenden bo humor e recrean as décadas dos 50, 60 e 70. Destacamos Little Sister, que tamén ten cunha versión en francés.

Pianista, compositor, contrabaixista, director de big band e activista contra o racismo, Charles Mingus, icona do jazz da segunda  metade do século 20, definía o jazz como “a música clásica negra”. Autodeclarado discípulo de Duke Ellington, este xenio musical só durou tres días na súa orquestra, pois o seu carácter irascible e temperamental tróuxolle numerosos problemas, causando mesmo confrontacións en medio de concertos. Mingus Ah Um (1959) é un dos seus discos cume, no que cada tema considérase unha clase de jazz, talento, furia e creatividade. Como  Goodbye Pork Pie Hat, un blues lento dedicado a Lester Young.

A banda británica Coldplay, lanzou en 2011 Mylo  Xyloto, o seu quinto álbum de estudo. Un traballo que “fala sobre dúas personaxes tentando atopar o amor e a felicidade nun mundo opresivo”. O disco comezou sendo acústico e foi evolucionando ata incorporar notas electrónicas. Paradise, o segundo sinxelo, foi escrito por Chris Martin para o gañador da séptima edición do programa The X Factor, pero o baterista Will Champion convenceuno de que deixala para o disco. O tema conta con dous vídeos musicais, un dirixido por Hype Williams (co que a banda non quedou del todo satisfeita), e o que vos deixamos a continuación, de Mat Whitecross, cuxa trama e concepto foron ideados por Chris Martin, quen interpreta ao home disfrazado de elefante que escapa do Zoo de Londres buscando o seu fogar.

Nacida a mediados dos 80, a banda estadounidense Neurosis ten un son moi orixinal e diverso, froito das súas variadas influencias (Joy Division, Pink Floyd e Black Sabbath entre outros). Desencadeantes da corrente post-metal, a súa música foi a base da carreira musical de grupos como Isis ou Cult of Luna. The Eye of Every Storm (2004), o seu oitavo álbum de estudo, é considerado a obra mestra do grupo, sendo máis melódico que os seus traballos anteriores. Destacamos Left To Wander.

Se queredes descubrir os álbums que seleccionamos para vós e levalos en préstamo, lembrade pasar pola Biblioteca Fórum. Pero mentres, aquí tedes a Lista de Reprodución ao completo:

Adele – All I Ask. Antonio Vega – Lucha de giantes. Aretha Franklin – I Say a Little Prayer. Ben L’Oncle Soul – Little Sister. Bruce Springsteen – Thunder Road. Bruno Mars – Locked Out Of Heaven. Caetano Veloso – Você é linda. Carlos Núñez – Alborada de Rosalía. Charles Mingus – Goodbye Pork Pie Hat. Coldplay – Paradise. Compay Segundo – Anita. Cult of LunaCircle.  Edith Piaf – Non, Je ne regrette rien. El Kanka – A desobedecer. India Martínez – Los Gatos no Ladran. Iván FerreiroTurnedo. John Legend – Start a Fire. La Bien Querida – A.D.N. Iron Maiden – The Wicker Man. Mika – Happy Ending. Muchachito – Me tienes frito. Neil Diamond – Sweet Caroline. NeurosisLeft to Wander. Nina Simone – Since I Feel for You. Queens of the Stone Age If Only. Red Hot Chili Peppers  – By the Way. Venus in Motion – This Woman. ZazCette Journée.

Concerto homenaxe a Carlos Casares – Xardín Desordenado

Na mostra “De acordes”, e dentro do programa “Ler Conta Moito”, temos a sorte de contar con Xardín Desordenado en concerto.  A cita será o luns 8 de maio ás 19:30 horas na Biblioteca do Fórum Metropolitano.

O grupo foi creado en Vigo no ano 2011, cando comezaron a percorrer bibliotecas e librarías buscando palabras ás que poñer música e chámase así así por unha  expresión que utiliza Daniel Salgado nun dos seus libros.  Como resultado da procura, realizando unha selección segundo o que lles provocaban os poetas, e logo levan os textos ao seu terreo, o jazz. Este traballo conta cunha unha dificultade engadida, pois o grupo evita tratar textos que xa foron musicados por outros.

O obxectivo de Xardín Desordenado é promover a poesía galega. De feito no seu primeiro traballo, chamado coma o grupo, escolleron quince poemas de homes poetas, que acompañaron de instrumentos acústicos; mentres que no segundo, Aprendendo a ladrar, reúnen cancións compostas sobre textos de poetas galegas, dende Rosalía a autoras contemporáneas, coma Carmen Krukemberg, Marica Campo, Olga Novo, etc.

Aquí a súa versión de Neno, de Manuel María:

No concerto renderán homenaxe a Carlos Casares, escritor a quen este ano se lle adica o día das Letras Galegas. Nel incluirán textos ben coñecidos do autor, como “A Galiña Azul” ou “Un Polbo Xigante”, pero tamén poemas non publicados ata agora en libros. Iso sí, os textos irán aderezados con moito swing, moito blues e moita bossa nova.

Agardámosvos o luns 8 de maio ás 19:30 h, cando teremos o pracer de escoitar a Santiago Ferragud, Marlene Rodrigues, David Outomuro, Lorenzo Boo e Isaac Garabatos.

E se non podedes vir, ou quedades con ganas de escoitalos de novo, o mércores 10 de maio á mesma hora, estarán na Biblioteca de Estudos Locais.

Concerto do Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia

O venres 5 de maio ás 18:30 h no Auditorio do Fórum Metropolitano teremos o pracer de escoitar ao Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia.

Xa tivemos a sorte de coñecer a oito dos seus membros no encontro Cantando coa Sinfónica, do pasado 24 de abril.

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De esquerda a dereita: Sabela, Paula, Laura, Laura, Maikol, Lucas, Helena e María.

Nel os rapaces contáronnos qué é para eles o Coro, compartiron anécdotas e vivencias do tempo que levan no mesmo. E sobre todo, fixéronnos partícipes da súa paixón pola música, e do compañeirismo e a amizade que hai entre eles. O seu amor polo coro e a boa sintonía reinante, fan que non importen as distancias (algúns membros veñen de Monforte ou León), o importante é cantar, e mesmo o fan nos descansos dos ensaios.

Pode que parte da maxia, consista en que  non teñen que sobresaír uns sobre os outros, senón que o que se busca é un empaste de voces, unha boa sintonía, algo que sen dúbida conseguen.

Todos falaron do que lles aporta, o que melloraron desde que comezaron e como lles compensa o traballo extra de asistir aos ensaios os sábados pola mañá, ou mesmo ir cantar despois da súa graduación. Outra mostra do que lles gusta a música é que moitos o compaxinan tamén co Conservatorio; no coro hai grandes violas, pianistas, etc.

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A paixón polo Coro é algo que teñen en común co seu director Daniel García Artés, que comezou no Coro aos 19 anos, e que desde fai dous leva a batuta en solitario; e coa súa coordinadora, María, que leva máis de 20 anos nel.

Do que non cabe a menor dúbida é do seu talento, pois tres dos que nos acompañaron, Laura, Helena e Lucas, xa forman parte do Coro de Adultos da OSG.

Nós tivemos a oportunidade de escoitalos cantar un par de temas. Pero esta vez, no Auditorio do Fórum estará o coro ao completo, e ollade o programa que teñen preparado:

.: Odi et amo – Carl Orff

.: If music be the food of love – Henry Purcell

.: Ave Verum Corpus – W. A. Mozart

.: When you wish – Leigh Harlile (arr. Daniel G. Artés)

.: I Will follow him – Franck Pourcel, Paul Mauriat (arr. Daniel G. Artés)

.: Creep – Radiohead (arr. Daniel G. Artés)

.: One day more – Claude-Michel Shönberg (arr. Mark Brymer)

.: Bohemian Rhapsody – Freddie Mercury (arr. Daniel G. Artés)

.: Fix You – Cold Play (arr. Daniel G. Artés)

Como podedes ver, abarcan tanto música clásica e contemporánea, coma pop, e é que aínda que agora só está Daniel (que revolucionou o coro ao incluir temas máis coñecidos), o coro tivo antes outros directores: José Antonio García Mato, Fernado López Briones e José Ramón Rodríguez Castellanos, e as preferencias de cada un por un estilo, deixou en herdanza un repertorio moi amplo e variado, que lles permite achegarse a todo tipo de público.

Se queredes pasar unha tarde escoitando boa música, non vos perdades o Coro Xove da OSG. Agardámosvos!!

Cantando coa Sinfónica

Hoxe, luns 24 de abril ás 19:00 h, non vos podedes perder Cantando coa Sinfónica na Biblioteca Fórum. O encontro/recital no que teremos a sorte de contar con 9 membros do Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia, acompañados polo seu director musical, Daniel García Artés; quen compaxina esta labor coa docencia na Escuela de Músicos de A Coruña. Ademais, dirixe  o Orfeón Herculino, o Coro Sancta María Maris e o grupo vocal  El acorde secreto, do que tamén e fundador.

A formación, composta por 35 rapaces de entre 13 e 21 anos, aparece trala consolidación do Coro e dos Nenos Cantores da OSG, entre os que fai de ponte.

O Coro Xove conta xa cunha longa traxectoria, pois o próximo xuño cumpriranse 12 anos dende a súa presentación ante o público. Neste tempo, obtivo o 2º Premio no Certame Coral Fira de Tots Sants de Concentaina, en Alacante; así como o Premio do Público e o 2º do Concurso Nacional de Corais Antonio José, en Burgos (2008). Adoita colaborar co Coro e a Orquestra Sinfónica de Galicia, e ofrece con regularidade concertos a capella en distintas localidades de Galicia.

Se vos gusta a música, agardámosvos na Biblioteca Fórum onde estas promesas falarán da súa experiencia no Coro Xove, a formación que reciben, as súas motivacións, etc. Unha oportunidade única na que ademáis poderemos escoitalos interpretar algúns temas do seu repertorio, o que nos servirá para abrir boca de cara ao concerto que terá lugar no Auditorio o 5 maio ás 18:30h.

Non faltedes a cita!

De acordes na Biblioteca Fórum

Ata o 30 de xuño, na Biblioteca Municipal Fórum Metropolitano podedes desfrutar de De Acordes, a nosa nova mostra bibliográfica, adicada a música.

Deste xeito queremos render homenaxe a dous fitos culturais e musicais que tiveron lugar na cidade: o centenario do debut de Cántigas da Terra no Teatro Rosalía Castro, e o primeiro concerto da Orquestra Sinfónica de Galicia, que tivo lugar fai 25 anos no Palacio da Ópera da Coruña.

Na mostra poderedes atopar unha pequena selección do noso fondo documental e musical. E como complemento, poderedes gozar na biblioteca de música en directo  con actividades para tódalas idades:

.: Cantando coa Sinfónica

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Comezamos as actividades de De Acordes cun encontro/recital aberto no que algúns membros do Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia falarán da súa expreriencia nel, a formación que reciben, as súas motivacións, etc. Ademais, durante a charla, os rapaces cantarán para os asistentes.

Luns, 24 de abril ás 19.00 h. na sala de adultos. Entrada libre ata completar capacidade

.: Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia

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Temos a sorte de contar para a mostra co segundo dos concertos que o proxecto educativo “Son Futuro” da OSG fai en colaboración coas Bibliotecas Municipais a favor da cultura. O primeiro tivo lugar en Durán Loriga o pasado mes de decembro. E o derradeiro será o da Orquestra de nenos no Centro Cultural Ágora. Onde estrearán unha peza dedicada ao Sistema Municipal de Bibliotecas da Coruña.

No recital poderemos escoitar ás grandes voces do Coro Xove interpretar Odi et amo de Carl Orff,  Ave Verum Corpus de Mozart, Creep de Radiohead, Bohemian Rhapsody de Freddie Mercury, Fix You de Cold Play, entre outros.

Venres, 5 de maio ás 18:30 h. no Auditorio do Fórum Metropolitano. Entrada libre ata completar capacidade.

.: Concerto homenaxe a Carlos Casares

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Con motivo da designación de Carlos Casares como autor do Dia das Letras Galegas 2017, Xardin Desordenado confeccionou un programa na súa homenaxe, no que se inclúe cancións con diversos textos do autor.

 

Luns, 8 de maio ás 19:30 h. na sala de adultos. Entrada libre ata completar capacidade (actividade dentro do programa Ler Conta Moito)

.: Manoele de Felisa. Acercarlle á infancia o mundo da poesía musicalizada1442850340765_860_1000_U_c1b23d0cad968d67acb8b3cfdf744c

Este cantautor galego con diferentes traballos publicados, ofrece unha actividade para lles achegar aos cativos e ás cativas o mundo da poesía a través das súas interpretacións musicais, así como algunha sorpresa lúdica para manter a atención e facela máis atractiva para o público infantil.

Luns, 5 de xuño ás 18:00h. na sala infantil. Dirixida a nenos e nenas de 3 a 9 anos. Entrada libre ata completar aforo (actividade dentro do programa Ler Conta Moito)


Se queredes ver unha pequena mostra do que atoparedes na Biblioteca Fórum, aquí tedes a guía de lectura.

E que como dicía o compositor alemán Carl María von Weber

“A música é a verdadeira linguaxe universal”

Agardamos que vos preste!

Lista de Reprodución Forum: De acordes e letras

Este mes, co día do libro á volta da esquina e a nova mostra da Biblioteca Fórum, De acordes, adicada á música, presentámosvos unha lista reducida no número de temas, pero na que os discos veñen moi ben acompañados, pois relacionamos libros coas cancións que inspiraron e viceversa. E é que o vínculo entre música e literatura constitúe unha das máis antigas e proveitosas colaboracións entre as distintas manifestacións de arte.

Atoparedes relacións curiosas, como Firework de Katy Perry e Na carretera, de Jack Kerouac; a Caperucita Roja de Ismael Serrano e a versión que fan do clásico Aaron Frisch e o ilustrador Roberto Innocenti; O Aleph de Nena Daconte e o de Borges ou a de O Maestro e Margarita de Mijaíl Bukgákov, que inspirou a Franz Ferdinand, Patti Smith, Pearl Jam e os Rolling Stones, entre outros.

Tras deixar Heroes del Silencio, o cantante, compositor e multinstrumentista zaragozano Enrique Bunbury incluíu no seu primeiro álbum como solista (Radical Sonora) o tema Alicia (expulsada do país das marabillas), unha balada na que nos presenta a unha Alicia menos infantil e inocente, xa que como se pode ver no vídeo musical, non é unha nena. Nesta ocasión a obra que acompaña ao tema de Bunbury é a creada por Àngel Burgas e ilustrada por Ignasi Blanch, Alicia y el país de las maravillas, na que se recrea a forma en que se explicou por primeira vez a historia. Aerosmith, The Beatles, Jefferson Airplane e Marilyn Manson son algúns dos que tamén se basearon na obra máis popular de Lewis Carroll para crear as súas cancións.

O igual que ocurre con gran parte do álbum Diamond Dogs (1974), David Bowie inspirouse para crear o tema 1984 na novela do mesmo nome de George Orwell, e é que o artista británico, fascinado pola obra, quería adaptala para o teatro, pero o proxecto nunca se puido levar a cabo, xa que a viúva de Orwell non deu permiso. Deste álbum saíu outra das persoaxes de Bowie, Halloween Jack, que se caracterizaba polo mono vermello, o aro na orella, o parche no ollo e un pano no pescozo.

Con Pet Sematary, o single do disco Brain Drain (1989), da banda estadounidense Os Ramones, ocorre algo distinto, xa que o tema foi un encargo de Stephen King (fan do grupo), para a película do mesmo nome baseada na obra O ceminterio de animais do mestre do terror. O tema foi un dos grandes éxitos dos Ramones nos 90 e a letra foi composta por Dee Dee Ramone unha hora despois de que King lle dese unha copia da súa novela. O vídeo musical filmouse no cemiterio de Sleepy Hollow, en Nova York e nel móstranse escenas da película e aos Ramones nunha tumba aberta.

A cantante, compositora e actriz estadounidense Lana del Rey inspirouse en numerosas ocasións na literatura para compoñer os seus temas. Tal é o caso de Off the Races, inspirada en Lolita de Nabokov, ou Ultraviolence, canción que dá nome ao seu tecer álbum de estudo (2014), e que é un termo que Anthony Burgess utiliza en A laranxa mecánica para facer referencia aos actos de extrema violencia, normalmente inxustificada e con vícitimas escollidas ao azar. Ultraviolence conta cun refrán moi pegadizo e cunha letra moi escura, na que aparece algunha frase en castelán.

Aquí tedes a Lista ao completo. Lembrade que na Biblioteca Fórum poderedes atopar os traballos dos temas seleccionados e as obras vinculadas.

Black Sabbath – Behind the Wall of Sleep.Bunbury – Alicia expulsada del País de las Maravilas. Café Tacuba – Las Batallas. David Bowie – 1984. Deep Purple– TheMule.Héroes del silencio – La sirena varada. Ismael Serrano – Caperucita. Katy Perry – Firework. Lana del Rey – Ultraviolence. Mago de Oz – Molinos de viento. Nena Daconte – El Aleph.Nirvana – Scentless Apprentice.Pink Floyd Pigs.Queen Flash.Ramones Pet Sematary. Sting – Moon Over Bourbon Street.The Alan Parsons Project – I Robot.The Beatles Norwegian Wood. The Rolling Stones – Sympathy For The Devil.

50 aniversario de ‘The Doors’

Foto promocional del primer álbum de la banda californiana

Foto promocional del primer álbum de la banda californiana

Alguna que otra vez me he entretenido fantaseando con la absurda idea de que el rock and roll dispusiera de alguna especie de objeto mefistofélico de propiedades similares al retrato de Dorian Gray y, de este modo, los efectos de todos sus -no pocos- excesos y el deterioro inherente al inevitable paso del tiempo fueran absorbidos por él. En plan, un mural tipo la portada del Sgt. Pepper´s o algún graffitti con poderes fáusticos oculto en los sótanos de algún antro perdido. Porque, ¿envejecer no va en contra de la propia naturaleza de un género que nació como producto del conflicto generacional de los años 50 y 60 entre jóvenes y adultos, y que desde entonces ha sido el símbolo de la juventud rebelde y contestataria de la civilización occidental?

Pero el tiempo no se detiene ante nada, y a principios de este año tuvo lugar una de esas efemérides que reafirman categóricamente la validez de ese gran tópico con el 50 aniversario -¡medio siglo ya!- de la publicación de ‘The Doors’, primer y emblemático álbum de la célebre banda homónima, la cual, por cierto, de alguna manera le ha ido ganando ese pulso al paso del tiempo manteniendo su vigencia con admirable dignidad. Probablemente, en ello haya tenido mucho que ver la prematura muerte del que puede ser considerado uno de los cadáveres más hermosos de la cultura popular del siglo pasado.

Portada original de ‘The Doors’

Porque, a pesar de haberse separado a principios de los años 70, poco después de la muerte de Jim Morrison y tras un par de álbumes fallidos, The Doors han pervivido a lo largo de las décadas gracias a haberse hecho merecedores a un lugar de privilegio en el selecto grupo de las bandas de culto, aunque en su caso de alcance masivo. También ha podido influir en ello una apreciable habilidad para adaptarse a la marea del negocio musical con una inteligente gestión de su legado musical, no siempre exenta de polémica, pero sí tremendamente eficaz a la hora de consolidar su leyenda.

Sea como fuere, este año se cumple ese 50 aniversario de la publicación del disco y ello ha dado lugar a bastantes noticias. En primer lugar, el ayuntamiento de Los Angeles, California, designó el 4 de enero, día de la publicación del álbum, como Día de The Doors, todo un reconocimiento por parte de la ciudad que vio nacer a la banda y de la cual ha sido siempre representativa. Efectivamente, ese día el batería John Densmore y el guitarrista Robby Krieger, los dos únicos miembros vivos del grupo, asistieron a un evento en Venice, donde la banda se formó a mediados de los años 60, en el que se le celebró la proclamación de su día. Por otro lado, su sello actual editó a finales del año pasado una pequeña joya de coleccionista, The Doors: London Fog 1966, un disco en directo que recoge una actuación en el primer club que les acogió como grupo residente en el mítico Sunset Boulevard, antes de dar el salto al Whisky a Go Go y comenzar su meteórica carrera hacia el estrellato. Por último, como no podía ser menos, la banda ha anunciado una reedición de lujo de su álbum de debut para conmemorar el aniversario, que incluye, entre otras sorpresas, un vinilo con la mezcla original en mono. Su lanzamiento está previsto para el día 31 de este mes.

John Densmore y Robby Krieger en la celebración del día de The Doors

¿Qué significó en su momento y qué significa aún uno de los considerados grandes clásicos del rock and rollThe Doors se grabó a finales del 66, el año de la gran explosión de la música pop , según la crítica especializada, y el disco, inevitablemente, forma parte de ese boom. Dejando de lado el irresistible carisma de Morrison, factor imposible de soslayar, su contribución a la onda expansiva del movimiento probablemente tiene que ver con lo que la banda californiana aportó de original y novedoso.

En ese sentido, en lo musical el rasgo más característico del disco es ese melting pot estílistico tan propio de la cultura americana, en el que cualquier elemento es potencialmente utilizable sin ningún tipo de prejucios. Hay rhythm´n´blues clásico en la onda de Ray Charles, blues de Chicago, jazz, bossanova, pop, ragas indias, etc. Todo mezclado de forma absolutamente ecléctica, como quizás solo se puede hacer en una ciudad como Los Angeles, que es un crisol de culturas de muy diversa procedencia. “Le robábamos a todo el mundo”, reconocía poco antes de morir el teclista Ray Manzarek. En la línea de bajo del solo de ‘Light my fire’ está el ‘My favourite things’ de John Coltrane, el ritmo de ‘Break on through (to the other side)’ es un latin beat, la guitarra de ‘The end’ emula los sitares de Ravi Shankar, etc.

Pero es quizá en la parte lírica donde se encuentra quizá el peso específico del álbum, habida cuenta de que la música de The Doors es, básicamente, un vehículo para dar rienda suelta a la vibrante imaginería psicodélica y simbolista de las letras de Morrison, cuyo primer amor declarado era la poesía y que se consideraba así mismo poeta antes que cantante. Disimuladas y camufladas en el envoltorio de esas eclécticas canciones pop se encontraban unas letras que exploran de manera inconformista y nada complaciente el lado más oscuro de los anhelos y miedos de la psique humana, influenciadas por la filosofía de Nietzsche y la poesía de Rimbaud y William Blake, así como por la literatura beat en general. En ellas el amor no es aquel fraternal y puro de los hippies que proliferaban en torno a la bahía de San Francisco. En las letras de Morrison, va acompañado indisolublemente de la muerte o del dolor, en un viaje iniciático a ese lugar del fin de la noche donde uno podría encontrarse a los locos hambrientos del poema ‘Aullido’ de Allen Ginsberg, por ejemplo. De modo análogo a lo que había ocurrido unos años antes con Bob Dylan, en su actitud hay algo diferente y peligroso, una audacia artística que va muy en serio y que por supuesto trasciende los planteamientos de la música pop al uso como entretenimiento fácil para teenagers. Dylan marcó el camino y lanzó la primera advertencia seria atreviéndose a decir lo que estaba latente en el inconsciente colectivo de su generación: el status quo que mantiene un sistema injusto y opresor tiene los días contados. El molde de la vieja sociedad clasista, sexista e hipócrita mostraba grietas por todas partes y pronto comenzaría a resquebrajarse. Morrison planteaba lo mismo desde otros presupuestos, los de un hedonismo desafiante contra toda autoridad que reprimiese la libertad individual, ya sea exterior o interiormente.

Yendo al meollo del álbum, que son las canciones, ‘Break on through’, primer single y el tema que abre el álbum, es toda una declaración de principios en este sentido: liberación absoluta de las cadenas que impiden la realización personal. Es sabido que Morrison declaró que sus padres estaban muertos, en el formulario que Elektra -su discográfica- pasaba a los grupos para recoger la información básica de cara a la prensa, y posteriormente no quiso volver a tener contacto con ellos: ruptura total con el pasado, reseteado y construcción de una identidad nueva no sujeta a ningún tipo de restricción o convención social. Pero donde de verdad los Doors exploran a fondo este tema es en ‘The end’, pieza épica de más de 11 minutos de duración que contiene la célebre parte edípica en la que Morrison se enfrenta a los más sagrados tabús morales de la cultura humana: el parricidio y el incesto. La liberación del miedo y la represión llega tras ser pronunciadas las palabras más prohibidas que describen los actos más aberrantes: “Padre, quiero matarte / Madre, quiero…”. La invocación dramática de estos mantras funcionaba solo en el plano simbólico de la representación, pero formaba parte del ritual iniciático necesario para el nacimiento de un nuevo yo, individual y colectivo, y, por supuesto, escandalizó a propios y extraños. Morrison llevaba al plano artístico la represión del inconsciente formulada por Freud, y utilizaba su propio lenguaje metafórico para romper los diques de contención. Todo ello desarrollado a través de un misterioso e hipnótico raga que va subiendo en intensidad hasta alcanzar un clímax cacofónico en el que finalmente toda la tensión del conflicto se resuelve y el nuevo Edipo parece salir triunfante, despidiéndose definitivamente del viejo ego y dispuesto a afrontar su nueva realidad.

Pero en ‘The Doors’ hay mucho más, y ahí está ‘Light my fire’, el single que les aupó vertiginosamente a la fama permitiéndoles colarle su mensaje subversivo a buena parte de la juventud americana. Amor y muerte, nuevamente, y el famoso ‘chica, no podemos colocarnos más’, las palabras malditas que les llevaron a ser vetados en el famoso programa de televisión de Ed Sullivan (ver vídeo abajo) tras su explosiva actuación en la que infringieron la prohibición de no pronunciarlas en prime time. Por lo demás, el disco es una buena colección de temas pop con mucho groove, como ‘Soul kitchen’; de buen pop sesentero a secas –’21th century fox’, ‘I looked at you’, ‘Take it as it comes’-; de baladas de oscuro lirismo –‘Crystal ship’, ‘End of the night’-; de blues de Chicago –‘Back door man’-; y alguna deliciosa extravagancia, como ‘Alabama song’, el tema que rescataron de la ópera ‘Ascenso y caída de la ciudad de Mahagony’, creada por Bertold Brecht y Kurt Weill en el periodo de entreguerras.

Recapitulando, pues, visto desde el presente, cincuenta años después, en el álbum de debut de los californianos se encuentran ya maduros gran parte de todos los elementos característicos que les hacen reconocibles y les definen, y que posteriormente desarrollarían hasta su agotamiento a lo largo de su desgraciadamente corta trayectoria, bien en el resto de su discografía bien en sus actuaciones en directo y que, como decíamos, les han mantenido vigentes como banda de culto generación tras generación: rebeldía, subversión, inconformismo, hedonismo. Valores seminales del rock, que deberían ser preservados, ya que son sus auténticas señas de identidad, y de los cuales los Doors -y ‘The Doors, en particular- siguen siendo una referencia.

[Si quieres disfrutar de ‘The Doors’ o del resto de la discografía de The Doors consulta su disponibilidad en el catálogo de las Bibliotecas Municipales]