Este mes propoñémosvos unha Lista distinta, na que poderedes revivir actuacións ou mesmo visualizar algún documental de ABBA, Ainhoa Arteta, Chicago, Depeche Mode, Lou Reed ouThe Who, entre outros. E é que se vides a Biblioteca Fórum, en lugar dos habituais discos coa música, atoparedes DVD.
Iniciado en 1967, o Festival de Jazz de Montreux coumezou nos salóns do Casino desta cidade suiza. Nos anos 80 pasou a ser un evento musical de prestixio internacional e a día de hoxe séguese a celebrar fronte ao lago Lemán.
Ao longo dos anos, moitos artistas publicaron álbumes gravados en directo durante a súa participación no Festival. Tal é o caso de Emerson, Lake & Palmer, que actuaron no ano 1997. Desta banda británica formada nos anos 70 destacamos Lucky Man (1970). Un tema que apareceu no seu álbum debut, chamado como o grupo, e que Greg Lake escribiu aos 12 anos cando a súa nai lle mercou unha guitarra.
Marvin Gaye, un dos máis destacados intérpretes do Motown Sound, iniciou o seu primeiro tour europeo en 1976. Son poucas as actuacións en vivo que se conservan do artista. Unha delas é a do Edenhalle Concert Hall de Amsterdam. Como mostra, o tema de 1964 How Sweet It Is (To Be Loved By you), que foi versionado por James Taylor en 1975.
No ano 2004 o grupo de heavy metal Metallica lanzou o seu documental Some Kind of Monster. Iniciado a modo de making of do disco St Anger (2003), rematou sendo moito máis, amosando as relacións persoais da banda, os problemas trala saída de Jason Newsted, a audición de Robert Trujillo, a loita cos procesos creativos, etc. Destacamos a canción que deu nome a este traballo, aparecida orixinalmente no seu oitavo álbum de estudio, e que atoparedes nos extras do disco.
Na sexta edición do desaparecido Iberojazz (2011), no que rendeuse homenaxe ao compositor estadounidense Irving Berlin. Nel combinábanse creacións musicais de artistas noveis cas dos grandes do jazz. Nesta ocasión a Big Band do Conservatorio Superior de Música da nosa cidade compartiu escenario co Saint Louis College of Music de Roma no denominado Galitalia Jazz Meeting, que serviu de broche de ouro. Para abrir boca deixámosvos con Onde están, interpretado pola que foi a primeira promoción de jazz de Galicia.
ABBA – I Have A Dream.Ainhoa Arteta – La tarántula.Ana Belén y Víctor Manuel – Contamíname.Andrés Calamaro & Fito & Fitipaldis – Whiski barato.Asia – Heat of the Moment.Big Band CSM A Coruña – Onde están.Boney M. – Rasputin.Bruce Springsteen – Thunder Road.Chicago – Hard to Say I’m Sorry.David Bowie – Space Oddity.Depeche Mode – Precious.Dire Straits – Romeo and Juliet.Emerson, Lake & Palmer – Lucky Man.Eric Clapton – Sunshine Of Your Love.Eurythmics – Sweet Dreams.Lou Reed – Wild Side.Madness – Our House.Marvin Gaye – How Sweet It Is (To Be Loved By you).Metallica – Some Kind of Monster.Paul McCartney – Drive My Car.Queen – Under Pressure.Simon & Garfunkel – Scarborough Fair.Sinead O’Connor – Nothing Compares 2 U.Status Quo – Roll Over Beethoven.The Who – My Generation.U2 – Where the Streets Have No Name.
Declan Patrick Aloysius MacManus, verdadero nombre de Elvis Costello, nació el 25 de agosto de 1955 en Paddington, Londres (Inglaterra), en el seno de una familia inmersa en el mundo de la música, siendo el hijo único del matrimonio formado por la responsable de una tienda de discos, Lillian MacManus, y un trompetista y cantante de la big band de Joe Loss, Ross MacManus.
Fueron principalmente los sonidos del jazz y la música clásica los que acompañaron al pequeño Declan en sus primeros años de vida. Posteriormente comenzó a escuchar a grupos como los Beatles y demás bandas británicas.
Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vió llegar como observador privilegiado laNew Wave y elpunk, movimientos con los que se asoció.
En 1975 MacManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.
Elvis Costello destacó en su extensa trayectoria como un meritorio y prolífico escritor de canciones, cuyas composiciones tanto se anexaban al arrojo punk o la frescura pop de la new wave como roturaban, desde una perspectiva de comentarista social airado y cáustico, en heterogéneos sonidos como el country, el jazz, el blues, el reggae, el soul, pop o el folk.
El año 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de Alison en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el Top40 en Estados Unidos).
Un Elvis muy punk
La portada de un Costello con una Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos de Punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones. La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country root. Ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. A final de año Jack Riviera funda Radar Records a donde se llevaría a Costello, publicando su último single Watching the detectives ese mismo año.
En los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This Year´s model, otra colección de singles como fue el de su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendía y alcanzar un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver’s Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.
Tras estos triunfos en vinilo y sus conciertos en vivo, Costello se convirtió en una atracción musical a nivel internacional. Costello cierra los 70 como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials. Con posterioridad produjo a gente como Squeeze o The Pogues.
De sus décadas posteriores hablaremos en nuestra siguiente cita. Si quieres ir abriendo boca, consulta la disponibilidad de su discografía en el catálogo de las Bibliotecas Municipales.
Tony Bennett, nombre artístico de Anthony Dominick Benedetto, cantante estadounidense de origen Italiano (Nueva York, 1926), es uno de los últimos grandes crooners de mediados del siglo XX. A sus casi 87 años y en un estado de forma inusual para su edad, permanece en activo dando decenas de conciertos anuales. A lo largo de una carrera de más de 60 años Tony Benett ha vendido 50 millones de discos, ganando 17 premios Grammy y 2 Emmy.
Recordado por éxitos como Blue Velvet, o I left my heart in San Francisco, su repertorio se basa en canciones clásicas de la música popular, mayormente baladas y jazz.
Considerado como el eterno rival de Frank Sinatra, ambos se profesaron admiración mutua, llegando incluso a grabar juntos el celebre tema New York, New York.
“En mi opinión, Tony Bennett es el mejor cantante que hay en el negocio(del espectáculo). Me emociono cuando le veo, me conmueve. Es el cantante que ve lo que el compositor tenía en su mente, y posiblemente un poco más”
(Frank Sinatra, elogiando a Tony Bennett en la revista Life, 1965).
Creció escuchando a Al Jolson, Eddie Cantor, Judy Garland, Bing Crosby, y artistas de Jazz como Louis Amstrong…
Debutó a los 10 años (1936), cantando ante el alcalde de Nueva York Fiorello La Guardia. Bennett estudió en el High School of Industrial Art, no solamente música sino también pintura, siendo un pintor de éxito, con numerosas exposiciones.
A los 18 años se alistó para combatir en Alemania, durante la Segunda Guerra Mundial, y allí permaneció al terminar el conflicto, formando parte de una banda musical que entretenía a las fuerzas ocupantes.
Al regresar a Estados Unidos, siguió actuando sin muchas pretensiones hasta que lo descubrió la cantante Pearl Bailey. En uno de los shows lo escuchó Bob Hope, quien lo convenció para llevarle consigo de gira, y le propuso cambiar su nombre por el de Tony Bennett.
Su despegue profesional fue en 1950, cuando animado por Bob Hope manda a la Columbia Records una prueba de la canción Boulevard of Broken Dreams. Fue contratado y en ese momento se inicia una cadena de éxitos.
En la década de los 50, se produce su primera etapa de apogeo artístico, y alcanza su primer éxito con el tema Because of you, y amplió su público gracias al sonido country de Cold, cold heart. Desde el principió experimentos distintos ritmos, e incluso se atrevió con el tango en la canción Rags to riches, que permaneció 8 semanas liderando las listas de éxitos. Bennett también hizo popular la melodía Blue Velvet, provocando la histeria colectiva en las fans; esta canción volvería a la actualidad 30 años después de la mano de David Lynch y su película homónima Terciopelo azul.
Anticipándose a Frank Sinatra, fue el primer cantante de música popular que colaboró con Count Basie y su orquesta, juntos publicaron dos álbumes y su canción más recordada fue el clásico Chicago, que también grabaría Sinatra.
Su mitica canción I left my heart in San Francisco, grabada en 1962 y ganadora de dos premios Gramy está considerada como una de las 100 mejores canciones de la historia.
En 1972 abandona la Columbia Records para firmar con la MGM Records con un mal resultado. Como Sinatra, funda un sello discográfico (Improv), que fracasó al no tener una adecuada distribución.
En 1979 y después de haber tocado fondo, hizo una sorprendente reaparición (pleno de forma), actuando como invitado de honor en un festejo por el 40º aniversario profesional de Frank Sinatra.
En 1986 Bennett vuelve a la Columbia Records, y empieza a expandir su audiencia a un público más joven sin perder su estilo musical, según explicó, el público joven ignoraba a los compositores como Gershwin y toda la tradición melodica de principios del siglo XX, y él conectó con ese mercado. Con el álbum The Art of Excellenceentra en las listas de superventas, dejando atrás catorce años de fracasos comerciales.
Visto hoy, su éxito es comprensible pues se enmarca en un nuevo interés por la música easy listenig y las big bands, y que se ha consolidado con estrellas como Michael Bublé y Amy Winehouse.
A principios de los años 90, Bennett gana un Grammy por Perfectly Frank, disco en homenaje a Frank Sinatra. En estos años graba varios discos de recopilaciones monográficas sobre Billie Holiday, Duke Ellington y Louis Amstrong, y gana otro Grammy por el disco Steppin´Out homenaje a Fred Astaire.
En 1994 grava para el canal MTV el exitoso show Unplugged, con invitados como Elvis Costello, conviertiendose en disco de Platino, ganando otro Grammy al Albúm del Año. Apartir de este momento sus actuaciones en televisión son constantes. Para demostrar su dominio vocal sin trucos tecnológicos, muchos de sus recitales los abría cantando Fly me to the moon, “a capela” y sin micrófono.
Tambien en los 90 comienza a participar en comedias de Hollywood, y ya en ese momento su fortuna se estimaba en 20 millones de dolares. Bennett no piensa en retirarse y a una edad madura ofrece entre 100 y 200 conciertos al año.
En el año 2005 es distinguido con el Kennedy Center Honor. De carácter pacifista arremete contra la política de Bush y la invasión de Irak, lo que le acarreó duras criticas.
Con motivo de su 80 cumpleaños graba (siguiendo la estela de Frank Sinatra) el primero de los 3 albumes de Duets con colaboraciones de Barbra Streissand, Elton John, Sting, etc… Fue tal el éxito del álbum que grabaría dos más en años posteriores, todos con la participación de cantantes como Diana Krall, Andrea Bocelli, o el mismísimo Alejandro Sanz… Dando origen a un tercer album cantado integramente en español con voces como Gloria Stefan, Dani Martín, Chayanne, Juan Luis Guerra… entre otros.
Como adelantabamos la semana pasada, hoy hablaremos largo y tendido sobre la carrera musical de Frank Sinatra.
Esta puede dividirse en tres etapas:
La primera sería la de los años 40, en la que se produce su evolución de cantante de orquesta a cantante solista. Frank Sinatra graba en 1939 diez canciones con la orquesta del trompetista Harry James: From the Bottom of My Heart, Melancholy Mood, My Buddy, It’s Funny to Everyone but Me,All or Nothing At All, On a Little Street in Singapur, Ciribiribin, The Hucklebuck, Our Love y Castle Rock.
Comienzos de Sinatra… con Tommy Dorsey
En 1940 Sinatra graba con la orquesta de Tommy Dorsey. Esta etapa, supone un cambio importante para Sinatra. En la orquesta de Dorsey su repertorio son las baladas y el toque de la orquesta es relajado y preciso. Consecuentemente, el vocalista consigue situarse en un primer plano, si no absoluto, cuando menos ya no como simple acompañamiento de la orquesta, como ocurría con Harry James. Dicho de otra forma, con la orquesta de Tommy Dorsey es cuando Frank Sinatra se convierte definitivamente en un vocalista, con unas características propias y bien definidas, que ya nunca le abandonarían: fraseo preciso e interpretación subjetiva de las letras. Dorsey transmitió al joven cantante el concepto de interpretar una melodía de tal manera que pudiese ser inmediatamente reconocida, al tiempo que estuviese tan personalizada que sonase como una creación hecha por o para el intérprete.
Las grabaciones de Frank Sinatra para la compañía discográfica Columbia (1943-1952), muchas de ellas ensayadas en cierto sentido en las continuas actuaciones en directo del cantante, suponen su consolidación como intérprete.
El logro básico de Sinatra en este periodo consiste en haberse convertido en el representante por antonomasia de la interpretación de la música popular estadounidense y, consecuentemente, en una figura de una influencia extraordinaria en el ámbito de la canción internacional. Paralelamente, su encumbramiento individual constituyó un golpe de gracia definitivo en el proceso de decadencia de las big bands, abriendo las puertas a una nueva era de la música popular cuyo dominio correspondía a los vocalistas.
Algunas de las canciones más representativas de este periodo son I’ll never smile again (1940),Nancy (with the Laughin’Face) (1945), How Deep Is the Ocean, Stella by Starlight, Begin the Beguine,If You Are but a Dream, etc.
La segunda etapa, la más elogiada, es su época como cantante para Capitol Records, que en 1953 anuncia la contratación de Sinatra, que de inmediato se convierte en éxito absoluto, devolviendolo al primer plano de la música, este fue un periodo fundamental en su vida en todos los aspectos y supuso su consagración absoluta como número uno de la canción popular. La importancia de la colaboración de arreglistas como Nelson Riddle y otros fue esencial para transformar el sonido de Sinatra en uno más moderno alejado del de su época anterior.
Los discos de Frank Sinatra para la discográfica Capitol constituyen la parte más valorada por crítica y público de su producción musical. Se trata, de un conjunto de 15 álbumes originales realizados entre 1953 y 1961.
El trabajo de Sinatra para Capitol se materializó en la explotación de las posibilidades del relativamente nuevo formato del LP, creando álbumes conceptuales a partir de la agrupación de canciones vinculadas bien por el tema bien por el tono (relajado, swingueante, romántico). A pesar de contar con productores propios de la casa discográfica, Sinatra se comportó durante todas las grabaciones como el auténtico productor, tomando continuamente decisiones sobre las tomas más adecuadas para ser finalmente incorporadas a los discos y sugiriendo a los arreglistas posibles mejoras en su trabajo.
La tercera y última etapa, es la de su salida de Capitol Records a finales de los 50, para crear su propia compañía (Reprise). Comienza a seleccionar sus propias melodías, graba cuando quiere… y obtiene sonados éxitos. En ella encontramos éxitos tan rotundos como Strangers in the Night.
La discografía de esta última etapa ha recibido una desigual consideración por parte de la crítica. Básicamente, en comparación con sus anteriores dos etapas, la etapa Reprise se caracteriza por la variedad de estilos ensayados, que dan lugar a una sucesión de álbumes de difícil consideración homogénea.
De esta etapa tenemos éxitos como Ring-A- Ding Ding!(1961), Strangers in the Night(1966),
El resultado va de éxitos incontestables tanto en lo comercial como en lo especializado como Septembers Of My Years (1965), al extraordinario e inesperado éxito comercial de sus dos discos de Duets, vilipendiados por la prensa especializada, pasando por canciones como My Way (versión de la canción Comme d’habitude de Claude François) y Strangers in the Night que pasaron a convertirse en temas clásicos en el repertorio del cantante.
En el verano de 1965, Sinatra inicia una gira de conciertos por seis ciudades con la orquesta de Count Basie. En junio de 1973 Sinatra volvió a los estudios de grabación con el productor-arreglista Don Costa y el arreglista Gordon Jenkins para grabar Ol’Blue eyes is back, disco que salió al mercado junto a un especial televisivo del mismo título, en el que participó el actor y cantante Gene Kelly, emitido el 18 de noviembre de 1973.
Durante la década de los ochenta, Sinatra se mostró muy activo en cuanto a conciertos. Fue especialmente memorable el dado en el estadio de fútbol de Maracaná ante 175.000 personas. También pulverizó un récord que había durado noventa años en el Carnegie Hall, donde debía actuar durante dos semanas, al poner el cartel de “no hay entradas” en un solo día.
En 1984, Sinatra grabó el que sería su último álbum con canciones nuevas: L.A. is My Lady, cuya canción del mismo título se entiende como una compensación cariñosa a la ciudad de Los Ángeles, tras el éxito de New York, New York. Este disco fue producido por su viejo colaborador Quincy Jones, quien vivía una etapa de máxima popularidad gracias a su trabajo en Thriller de Michael Jackson.
En 1989 emprendió una gira que se prolongaría a lo largo de todo 1991, en compañía de Steve Lawrence y Eydie Gormé, para celebrar sus cincuenta años en el mundo de la música. La gira agotó todas la localidades. Aun así, y a pesar de su edad, el programa de giras de Sinatra entre 1991 y finales de 1994 fue extraordinario, actuando prácticamente todas las semanas para públicos entusiastas de todo el mundo.
1993 sería el año en que volvería a hallarse en lo más alto de las listas con su primer álbum en diez años, Duets, con trece canciones clásicas regrabadas a dúo con algunos de los cantantes más populares del momento, como Bono, del grupo U-2, Julio Iglesias o Liza Minnelli. El disco, para cuya grabación Sinatra nunca estuvo en el estudio con ninguno de sus compañeros, pues sus respectivas partes se grabaron por separado, fue un gran éxito y vendió millones de copias, alcanzando el número 1 en el Billboard. En 1995 saldría Duets II y ese mismo año recibió un premio por toda su vida profesional en la entrega de los Grammy.
El 25 de febrero de 1995 ofreció el que sería su último concierto en el Desert Springs Resort and Spa del hotel Marriott.
En noviembre de 1996, un mes después de su última aparición pública en el baile benéfico del Carousel en Los Ángeles, ingresó en el hospital, así como dos veces más en enero de 1997, apareciendo en titulares de prensa y reportajes de todo el mundo. A finales de abril de ese año el Congreso de Estados Unidos votó conceder a Sinatra la Medalla de Oro del Congreso a propuesta del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano.
Murió el 14 de mayo de 1998 a los 82 años, a consecuencia de un ataque al corazón.
Abrimos una nueva sección que esperamos mantener viva semana tras semana, y en la que iremos contandoos curiosidades y anécdotas de los denominados crooners, que no son otros que ciertos cantantes que interpretan un tipo de canción popular, género que en Norteamerica se conoce como traditional pop o pop standars.
La palabra crooner es de origen estadounidense y en inglés tiene connotaciones semejantes a trovador. Un crooner suele poseer una voz grave y normalmente se hace acompañar por una orquesta o una Big Band.
Originalmente se aplicaba de forma peyorativa, lo que supuso que muchos cantantes considerados como tal renegaran del término. Éste fue el caso de Frank Sinatra, quien declaró que no creía que él o Bing Crosby fueran crooners.
El crooning tiene sus raíces en el Bel canto de la Ópera italiana y en los intérpretes vocales de Jazz. Algunos crooners, como Frank Sinatra, Bing Crosby o Dean Martin también incorporaron otros géneros en su música, como el Blues o el Dixieland.
Banda de dixieland
Se convirtió en la música vocal más popular en los Estados Unidos desde los años 1920 hasta comienzos de los años 1960, coincidiendo con los inicios de la radio y las grabaciones musicales. Una prueba de este éxito era el show radiofónico Kraft Music Hall, conducido por Bing Crosby y emitido entre 1935 y 1946, el cual era seguido cada semana por 50 millones de personas.
Entre los crooners clásicos se pueden destacar, además de los mencionados anteriormente, a Lucho Gatica, Nat King Cole, Andy Williams, Paul Anka, Sammy Davis Jr., Neil Sedaka, Bobby Darin o Del Shannon.
En la actualidad se pueden considerar crooners a cantantes como Al Martino, Harry Connick Jr, David Bowie, Jens Lekman, Jean Sablon, Roger Cicero, Jamie Cullum, Michael Bublé, Morrissey, Engelbert Humperdinck, Bryan Ferry, Julio Iglesias y Luis Miguel.
… y esto no ha hecho más que empezar, para la semana que viene continuaremos con uno de los crooners más significativos. Para que vayáis abriendo boca, os dejamos con un aperitivo…
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