All we need is love

Falar dos pasados anos 60 é falar dunha década máxica que representou unha verdadeira revolución en moitos sectores da sociedade. Foron tempos rupturistas, nos que toda unha xeración deuse conta de que as regras vixentes eran obsoletas e demasiado restritivas. Urxía unha revolución para seguir o seu camiño con liberdade segundo as súas propias normas.

Non é de estrañar que a música destes anos represente tamén un punto e aparte co panorama musical anterior. Máis alá da estética dos artistas, se por algo se caracterizou foi polo compromiso social: as letras convertéronse nun arma de denuncia política; as cancións reclamaban dereitos civís básicos e protestaban contra os gobernos imperantes

Non debemos esquecer que foi en 1968 cando estudantes de todo o mundo uniron forzas para marchar case simultaneamente co obxectivo de derrubar unha sociedade que definían como hipócrita e defensora de falsos valores. Neste panorama xestáronse músicos como Bob Dylan, Joan BaezJimi Hendrix, The Doors… Falar destes artistas, así como dos Beatles, Rolling Stones, The Who, Janis Joplin e outros tantos “influencers” de culto, sería redundante (todxs temos claro que o seu legado traspasa xeracións).

Mosaico60

Obrigada mención merece o movemento hippie, cuxas manifestacións e estilo de vida deixaron unha pegada indeleble na nosa cultura. Quen viviu aquela época lembrará o mega concerto de Woodstock do verán de 1969, onde se deron cita algúns dos cantantes e grupos máis emblemáticos do momento. Tres días de paz e música que marcaron un antes e un despois na historia da sociedade moderna.

woodstock-69

Cartel oficial do lexendario Festival

No pasado BBencontro da Biblioteca Ágora quixemos render unha pequena homenaxe a esta produbbtiva década. Plantexamos unha xornada na que, baixo o título de “All you need is love”, tomamos como eixe de traballo a afectividade e as emocións dxs pequenxs.
Collemos pinceladiñas de todo o citado ata agora: unha estética hippie, positivismo a moreas e unha banda sonora deluxe: no primeiro conto da sesión empregamos unha versión instrumental do “You never can tell” de Chuck Berry (os fans de Pulp Fiction ben saben do que falamos), para continuar cunha adaptación a piano da archicoñecida “All you need is love” dos Beatles.

Rematada a “posta en escea”, xs bebés tiveron o seu momento exploración libre dos recursos de lectura, no que mantivemos como música de fondo temas tan míticos como Mercedes Benz, Sugar, sugar, Like a Rolling StoneCalifornia dreamin… A estimulación musical foi clave para captar a atención de pequenxs e maiores (hai sons inmortais que non entenden de idades).

Remataremos este “repasiño sesenteiro” lembrando outra música que é recoñecida, pero sempre relegada a un segundo plano cando falamos desta época. Ás veces esquécese que nos 60 brilou a música de Motown, un selo discográfico de Detroit que tivo unha lista de artistas incomparable: Marvin Gaye, The Supremes, The Temptations, Stevie Wonder, Martha & the Vandellas, The Jackson five, Smokey Robinson… Vese complicado que nas actuais corporacións da industria musical volva a repetirse algo semellante tanto en cantidade coma en calidade de nomes.  Para ser xust@s e non discriminalos, xa estamos deseñando un próximo BBencontro con “moito rollo” nos que empregar estes ritmos.

Sabendo todo isto, estaremos máis que convencidos de que os 60 foron unha das etapas máis frutíferas da historia da música. Pero… ¿qué pasa? ¿Daquelas non se facía mala música? ¿A crise chegou co reguetón? A socioloxía proporciona un argumento para esta cuestión: o chamado efecto Cherry Picking ou colleita de cereixas: nunha plantación de cereixas, hainas de todo tipo, pero se cultivamos imos tomar só as que teñen un mellor aspecto. Se levamos unha canastra de cereixas a un amigo, este podería crer que tódalas cereixas do noso campo son así, cando en realidade fixemos un importante filtro.

Velaí o sesgo. Cando escoitamos música “de antes”, non estamos a escoitar a radio desa época, nin unha mostra aleatoria do que soaba. Escoitamos as nosas bandas favoritas e compilados dos mellores temas do momento. Isto é un filtro que tal vez represente unhas cantas cancións por cada ano desa época. Resumindo: antes tamén se facía mala música, só que non a recordamos.

Advertisements

O sabor da carne sen castrar

Fai pouco máis dunha semana que os Heredeiros da Crus comezaron unha xira que os levará a percorrer dez localidades galegas. Vigo, O Barco de Valdeorras, Boiro, Lugo, Ferrol, Ourense, Carballo, Pontevedra, A Coruña e Santiago de Compostela son os lugares escollidos para a “Volta aos Jaliñeiros” que desenvolverase durante os meses de novembro, decembro e xaneiro con aforos próximos ás 200 persoas. Os Heredeiros queren levar o espírito da banda de volta aos foros que os veron crecer: apostan polas distancias curtas como acicate desta xira. Será unha boa oportunidade para disfrutalos na súa formación básica (Fran Velo, baixo; Manu Rey, batería; Tucho Novo, guitarra; Tonhito de Poi, guitarra; Javi Maneiro, voz) e de escoitar temas que se recuperarán para esta andaina.

heredeiros-da-crus-pentavox-galicia-gira-2015

Heredeiros nace en Castiñeiras, en Ribeira (A Coruña) en 1992. Logo duns primeiros ensaios nun galiñeiro de Poi, ese mesmo ano ofrecen o seu primeiro concerto na mítica Festa da Dorna. En 1994 publican o seu primeiro disco, “A Cuadrilla de Pepa a Loba”, un álbum que marcou un antes e despois na historia do rock en galego e no que se inclúen himnos como “Quero josar” ou “O fillo de José”.  Só un par de anos despois editarían o segundo disco, “Está que te cajas!!”,  con temas emblemáticos como “O teu fillo fuma porros”, a melancólica “A chaqueta de lana” ou “Frenaso no calsonsillo”’, unha peza na que colabora o mesmísimo Rosendo Mercado.

Logo virían “Criatura” (1997), “Des minutos” (1997), “Erecsiones Munisipales” (1999), “All right Chicago” (2000)… Proxectos cos que conseguen manter un gran nivel de vendas, saír a tocar no estranxeiro e permitirse maneiras de mainstream (íscalle lura, my friend).

Foron un dos diversos grupos que a principios dos noventa formaron parte dun movemento musical que resultou ser todo un fenómeno social en Galicia: o rock bravú. Os grupos comezaron a ser moi coñecidos grazas á visibilidade que lles ofrecía na “telegaita” o programa Xabarín Club, estreado en 1994, desde unha televisión pública por entonces máis entusiasta e moito máis interesada que agora nos contidos xuvenís e en potenciar o rock en galego.

A colección de videoclips con karaoke que produzo o Xabarín converteuse na banda sonora da merenda de toda unha xeración de rapaces e rapazas galegos: cancións de grupos consagrados como Siniestro Total, Os Diplomáticos de Monte-Alto ou Aerolíneas Federales; emerxentes como Blood Filloas, Yellow Pixoliñas ou os  propios Heredeiros, e tamén bandas procedentes do mundo lusófono. Referentes da movida viguesa, rock bravú, indie, punk… todos eles mesturados e ben axitados para o deleite da infancia galega.

Imposible esquecerse de temas como “Qué jallo é!”, “Estou na lavadora”, “Non todo é o que parece” ou a mítica “Oda ao futbolín”, por citar algunhas. Fixeron máis polo noso galego que a EXB ou calquera campaña de normalización lingüística.

Máis de 20 anos deste movemento basado en grupos que facían (e, por sorte, algúns seguen a facer) rock en galego e que procedían maioritariamente de pobos moi alonxados dos centros de producción musical. Excepto Os Diplomáticos de Monte Alto, as bandas viñan de pobos de toda a xeografía galega: O Caimán do Río Tea de Ponteareas, Os Impresentables de Vimianzo, os Skornabois de Lourenzá, os Rastreros de Chantada… Un rock rural, da Galicia profunda, que falaba de vivencias cotiás cun tono cómico e irónico. Unha manifestación do orgullo pola nosa cultura con sonido bravío e sen aditivos.

Xavier Valiño chegou a definilo no seu libro “A paixón que queima o peito” como un “rock sen capar, que xurdiu cando as guitarras chegaron ás aldeas”. (¿Que sería de nós sen elas?)

Se tras ler estas liñas se te antolla un revival bravú, recorda que nas Bibliotecas Municipais temos unha selección de títulos só apta para nostálxicos. Velaí algúns deles:

  • Apocalipse con Grelos. Madrid: Energy Alternative, 1998.
  • Rock Bravú : A Paixón que queima o peito. Xavier Valiño. Vigo : Xerais, 1999.
  • Unión bravú. Vigo: Edicións do Cumio, 1996.
  • Selección xa! Bravú: denantes mortos que goleados. Vigo: Cormorán Produccións, 1997.
  • ¡¡Non pises a herba!! Yellow Pixoliñas. Lugo: Sons Galiza, 1996.
  • Feito na casa. O Caimán do Río Tea. Lugo: Sons Galicia, 1995.
  • Jard Rock Con Fe. Heredeiros da Crus. Betanzos: Airapro Producións, 2013.
  • Arroutada pangalaica. Os Diplomáticos de Monte Alto. Madrid : Dro, 1991.

montaje copy

‘Feast of friends’: vuelve el Rey Lagarto

Doors-Feast-Of-Friends-DVD-cover-lr

Ya han pasado más de cuarenta años desde la muerte de Jim Morrison, el Rey Lagarto, y apenas uno del fallecimiento del teclista Ray Manzarek, cerebro y brillante gestor del rentable catálogo de la banda tras las muerte de Morrison, pero los Doors parecen no querer morir nunca. Con el batería John Densmore todavía de ronda por todos los medios habidos y por haber presentando su último libro, ‘The Doors Unhinged: Jim Morrison´s Legacy Goes on Trial’ (‘Los Doors desquiciados: el legado de Jim Morrison a juicio’, no publicado en español hasta la fecha), en el que cuenta el penoso pleito judicial con sus excompañeros –Manzarek y el guitarrista Robby Krieger– a causa, precisamente, de la dudosa gestión de ese legado, la legendaria banda vuelve a ser noticia. Esta vez por el lanzamiento de ‘Feast of Friends’, la enésima  y probablemente penúltima reencarnación de Morrison, en esta ocasión en DVD.

No deja de resultar asombroso que continúen pasando los años y que una banda, a priori, tan peculiar y con un estilo tan difícil, tan oscuro y volcado hacia la poesía, tan de su tiempo también, como The Doors siga teniendo tanta repercusión y vendiendo, y vendiendo bien, algo más que simples recopilatorios de éxitos para nostálgicos de los 60. Porque los Doors nunca han sido los Beatles, solo muy breve y tangencialmente tuvieron ese perfil mainstream. Pero, obviamente, Jim Morrison, el mito, sigue vigente generación tras generación.

 

Yendo al grano, ¿qué ofrece de nuevo ‘Feast of Friends’ que compense la molestia y los euros? Nuevo, lo que se dice nuevo, poco. La cinta recupera el metraje original del documental homónimo que Morrison y Manzarek, estudiantes de cine en la UCLA, se propusieron realizar sobre la vida de la banda en la carretera en el momento de su máximo apogeo, en el verano del 68, en aquella época convulsa tanto política como culturalmente. Durante aproximadamente un año, un par de colegas suyos de la universidad les siguieron con un equipo básico de grabación registrando las interacciones tanto internas como externas del grupo, dando lugar a un amasijo de imágenes al que nunca acabaron de darle forma y que finalmente quedaron arrumbadas en algún cajón, aparentemente para siempre.

El problema es que, como los muy fans saben, todo ese material acabó reapareciendo pasados los años y fue utilizado en diferentes formatos y películas a lo largo del tiempo, convenientemente troceado y editado para darle sentido y coherencia, dejando de lado la idea inicial. La última vez con ocasión del más que aceptable documental ‘When You´re Strange’ (2009), dirigido por Tom Dicillo y narrado por el mismísimo Johnny Depp, en el que parecía que, de una vez por todas, se hacía justicia a la memoria y el legado de Morrison tras el lamentable fiasco del engendro aquel de película perpetrado por Oliver Stone en la que su figura aparecía totalmente caricaturizada. Bien concebido y editado, el documental ponía las cosas en su sitio mostrando en forma canónica a las nuevas generaciones el por qué del estatus de leyenda de Morrison.

 

Volviendo a ‘Feast of friends’, lo único novedoso en sí de la nueva edición, y su pretexto, restauración y remasterización del metraje aparte, es recuperar el proyecto original de un documental de forma libre al estilo del cinema verité de la época. Lo cual, siendo benévolos, en cierta manera, la redime.

Su valor, en cualquier caso, estriba en recoger, un poco en la forma en la que fue concebido, el espíritu de la banda en el momento álgido de su carrera y en el contexto de la época. Ya lo habíamos visto en mil ocasiones, pero aún impresiona ver la presencia felina y magnética de Morrison revolcándose y retorciéndose chamánicamente sobre el escenario, literalmente como un poseso, rodeado de una desconcertada policía que no sabe que hacer para contener a las masas de jovenzuelos y jovenzuelas que pretenden tomar el escenario al asalto, enardecidas por sus movimientos. Los Doors y su mensaje contestatario –“somos políticos eróticos”, decía Morrison– siempre han sido sinónimo de tumulto, caos, desorden, rebelión y subversión, y eso se percibe en ‘Feast of Friends’.

Por lo demás, la edición incorpora algunos extras interesantes, como el concierto-documental ‘The Doors are Open’, que recoge la mítica actuación en el Roundhouse de Londres, en la gira europea del 68, o una grabación anterior, del 67, en directo del clásico ‘The End’ para la televisión canadiense, aunque ambos eran ya sobradamente conocidos.

En definitiva, cualquier excusa es buena para revisitar a los Doors. Puedes hacerlo recurriendo al material de cualquiera de nuestras bibliotecas. Consulta aquí el catálogo.

 

Los crooners: Raphael

Miguel Rafael Martos Sánchez, más conocido por su nombre artístico Raphael, nació en Linares, Jaén el 5 de Mayo de 1943. De niño la familia se traslada a Madrid y Rafael comienza a cantar a los cinco años en el coro del colegio San Antonio. A los 9 años, en el Festival de Salzburgo fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa.

 

raphael__3488_635xEn 1960 Francisco Gordillo se convierte en su representante y comienza su carrera musical con el sello discográfico Philips. Es en este momento cuando decide poner la letra H en su nombre, convirtiéndose en ese momento en Raphael. Sus primeros sencillos fueron Te voy a contar mi vida, Inmensidad o A pesar de todo, entre otros. Su voz profunda y grave, lo convierte en todo un crooner de la canción española e internacional.

En 1962 se presenta por primera vez al Festival de Benidorm con la canción Llevan, quedando en el primer puesto. Cambia al sello discográfico Hispavox y comienza una larga y fructífera relación con Manuel Alejandro, compositor, arreglista y productor musical.

Representa por dos veces (1966 y 1967) a España en el Festival de Eurovisión, con las canciones Yo soy aquel y Hablemos del amor, ocupando la séptima y sexta plaza respectivamente. A partir de este momento Raphael comienza a adquirir fama internacional y empieza a realizar sus giras mundiales. En 1967 canta en el Madison Square Garden de Nueva York de la mano del manager de los Beatles Brian Epstein.

De esta época son sus temas Cuando tú no estás, Digan lo que digan, Tema de amor, y Balada triste de trompeta, entre otros.

Ha actuado en todos los grandes teatros del mundo y en ciudades como Londres, Los Angeles, Buenos Aires, México… París, siendo el primer cantante español en actuar en Moscú. Raphael no sólo canta, tambien es intérprete de numerosas películas. En 1966 filma su primera película como protagonista: Cuando tú no estás, rodando en años sucesivos otras siete más, todas con gran éxito de taquilla, incluido en Rusia.

En 1970 se presenta en Estados Unidos en el famoso “Show de Ed Sullivan”, cantando en vivo, en español, inglés e italiano. Consigue un gran éxito volviendo a aparecer a los pocos meses. En 1975 tiene su propio programa en TVE titulado “El mundo de Raphael”, donde canta con artistas invitados.

A lo largo de su carrera Raphael ha cantado todo tipo de géneros musicales: baladas, rancheras, tangos, boleros, incluso folclore latinoamericano, y ha grabado en inglés, francés, alemán, italiano e incluso en japonés.

Ya en los ´80 cosecha éxitos como las canciones Como yo te amo, En carne viva, Estar enamorado… y graba dos discos con canciones de Jose Luis Perales, incluyendo la famosa ¿y como es él?. Paralelamente se le concede el disco de Uranio por sobrepasar los 50 millones de discos de su recopilatorio de 1982, vendidos a nivel mundial con la discográfica Hispavox.

En 1991 y ya con la discográfica Columbia edita el LP Ave Fenix. La canción Escándalo, lo devuelve al primer plano de la actualidad. En 1998 publica la primera parte de sus memorias con el título “¿Y mañana qué?”.

Ya en el 2000, comienza una nueva andadura teatral, esta vez interpretando el personaje principal en el musical Jekyll & Hyde, durante la cual se tiene que enfrentar a serios problemas de salud, necesitando un transplante de hígado que se realiza en 2003, con una rápida recuperación.

En su ciudad natal Linares, se encuentra el museo de Raphael, donde se puede encontrar información de su vida artística, premios, carteles, discografía, etc.

El 14 de Julio de 1972, contrae matrimonio con Natalia Figueroa Gamboa, de familia aristocráta, y tienen tres hijos Jacobo, Alejandra y Manuel.

En Agosto de 2014, comparte cartel en el festival de música indie Sonorama junto con Niños Mutantes, Elefantes, Ivan Ferreiro, etc, consiguiendo un gran éxito y demostrando la versatilidad de su estilo y el reconocimiento de generaciones más jóvenes.

En el Catálogo de las Bibliotecas Municipales puedes consultar la disponibilidad de mucha de su discografía:

  • Maravilloso
  • Raphael para todos
  •  Cerca de ti
  • Te llevo en el corazón
  • De amor & desamor

Los crooners: Paul Anka

Paul Anka (Ottawa-Canada 1941), cantante, compositor y actor, nació en el seno de una familia de origen libanés. En la linea de Frank Sinatra y Tony Bennett, encaja en el perfil de crooner o cantante melódico anglosajón, si bien su carrera ha sido desigual.

paul_anka

Su formación musical fue breve: estudió piano y teoría y empezó a cantar de niño en el coro de su iglesia.

Animado por sus padres, grabó su primer single I Confess a la edad de 14 años. Al año siguiente, después de recorrer distintas discográficas, conoce a Don Costa de ABC Records, donde graba temas como You are mi destiny, Crazy Love o Put your head on my shoulder.

En 1957 marchó a Nueva York donde hizo una audición para la American Broadcasting Company (ABC) con la canción Diana, la cual había escrito para su antigua niñera. Con esta canción, Anka trepó al número uno de las listas de éxitos. Diana es uno de los singles más vendidos de toda la historia, 9 millones de discos en sólo un mes en todo el mundo, teniendo multiples versiones de distintos artistas.

Con 16 años cientos de admiradoras le chillan enloquecidas en cada concierto, siendo el precursor  y lider del movimiento Teen de los cincuenta.

Arrancan los años ´60 y el adolescente se convierte en una estrella.

Durante estos años deja la multinacional ABC y ficha por RCA. Su talento va más allá del canto, destacándose como compositor de temas como Lonely boy, el gran éxito de Buddy Holly It Doesn’t Matter Anymore o el tema del show de Johnny Carson, Tonight Show.

Adquiere los derechos del tema francés Comme d´habitude del cantante Claude Francois, y la traduce al inglés con el nombre de My way. Esta canción lo devuelve al primer plano de la actualidad.

En los ´70 firma por United Artists y forma un duo con Odia Coates, grabando el exitoso tema You´re having my baby

A finales de los ´70, comienza a cantar en el circuito de Las Vegas junto a artistas como Ton Jones o Johny Cash. Se convirtió en uno de los primeros artistas de música pop que cantaban en los casinos. A partir de 1983 su actividad discografica entra en declive dedicandole más tiempo a actuar, pero aún tiene tiempo para versionar sus antiguos éxitos en el disco Five decades of hits (1991).

En fechas recientes y con la aparición de la canción postuma de Michael Jackson This is it, Paul Anka declara ser el co-autor de la misma junto con Jackson, después de un tenso litigio la participación de Anka es reconocida.

A los 71 años Anka regresa, después de cinco décadas de carrera, con nuevo disco y nueva gira buscando nuevos destinos (Italia, Alemania, Francia o Japon). Actuamente está inmerso en una gira que lo lleva a recorrer Estados Unidos de costa a costa.

En 2013 sale a la luz Duets su último disco, cuyo título deja entrever su contenido con temas como Crazy junto a Willie Nelson y Walk a fine line con George Benson y Michael McDonald, This Is It con Michael Jackson, Shes A Lady con Tom Jones entre otros.

En el Catálogo de las Bibliotecas Municipales puedes consultar la disponibilidad de mucha de su discografía:

  • Freedom for the world
  • Rock swings
  • Duets

 

 

Rita Lee lanza o seu perfume

brasil-rita-lee-lp-12-13347-MLM3015657438_082012-F

Brasil é cara fóra, musicalmente, o país/continente/selva/océano/galaxia propia do samba (Martinho da Vila, Paulinho da Viola, Nelson Cavaquinho, Cartola, Zé Ketti, …), da bossanova (Joao Gilberto, Tom Jobim, Vinicius de Moraes, Toquinho, Astrud Gilberto, Elis Regina, Stan Getz, Baden Powell,…), do tropicalismo (Os Mutantes, Tom Zé, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Maria Bethânia, Jorge Ben, Wally Salomao, …) e da MPB (Chico Buarque de Hollanda, Gal Costa, Djavan, Chico César, Adriana Calcanhotto, …). Tamén, aínda que bastante menos, de bandas de rock con carimbo propio (Secos & Molhados, Novos Baianos, Legiao Urbana, Cazuza, Paralamas do Sucesso, …). Por último, é territorio propicio para artistas de identidade e traxectoria dificilmente clasificábel que, como a Rita Lee, a Cássia Éller ou o Tom Zé, se moveron como anguías ao longo das últimas décadas por entre todo ese mar de músicas e músicos, de influencias e escenas, de tradicións e modernidades propias e alleas.

Queremos achegarnos hoxe á figura da primeira, a irreverente, aloucada, genial e descontrolada Rita Lee. Comecemos da mellor maneira, gozando das súas cancións…

 

 

E continuemos coñecéndoa agora a través doutro xénio antes citado, o Tom Zé.

 

 

O xornalista arxentino Osvaldo Bazán, nun magnífico artígo sobre a artista brasileira, fai referencia a este relativo descoñecemento da Rita Lee e matiza: “Hay un momento en la fiesta, en cualquier fiesta, cuando ya todos están suficientemente contentos, cuando el alcohol en sangre permite la locura de la corbata en la cabeza, en que después del pepepepe pepé, para bajar sin perder el clima, el dj pone Lança perfume. Suenan los espantasuegras, los pitos, las matracas. Y después el dj pega Baila conmigo. Como se baila en la tribu. Bababababaila conmigo. Melodías simples, alegría tranquila, relax sonoro. Lanzaperfume y Baila conmigo son los dos hits intercambiables que meten a Rita Lee en cuanto casorio, cumpleaños, Bar-Mitzvah se realice en Argentina. Sin embargo, pese a esa omnipresencia de salón de fiestas, su carrera de cuarenta años es en gran medida desconocida en el país. Quizás el lanzamiento de Biografitti, tres dvd con la biografía de Rita Lee Jones Carvalho del primoroso sello Biscoito Fino –actuaciones históricas, recuerdos imborrables, encuentros memorables, material de archivo, y una larga y entretenida charla sin concesiones – ponga las cosas en su lugar y la Señorita Lee finalmente sea reconocida como lo que es: la mayor rockera del subcontinente, idolatrada por héroes del género como Kurt Cobain, Stereolab, L7, Beck o David Byrne.”

 

rita_lee_rock   tumblr_lrh2l02Wqg1qaxihzo1_400

En efecto, sorprende que unha cantante cunha listaxe de hits tan longa e irresistible (Banho de espuma, Virus do amor, Doce Vampiro, Lança Perfume, Manía de você, Ovelha Negra, Chega Mais, … ) non sexa comparable en coñecemento mundial a outras grandes figuras da música brasileira, e iso a pesar de ter comezado xustamente nunha banda de culto como Os Mutantes, que inicialmente se chamaron “Os Bruxos. Hasta que leyeron un libro que les dio el nombre que estaban buscando. Pasaron a ser Os Mutantes. La primera leyenda del rock en portugués. El grupo del que, treinta años más tarde, se hicieron fanáticas las más grandes estrellas del rock mundial. El trío que aún hoy, a más de cuarenta años de su creación, continúa asombrando por la experimentación, la falta de prejuicios y sobre todo, por una mirada que se confunde graciosamente entre libertad y libertinaje, piedra fundacional de lo que sería el pop mundial. Se disfrazaban, se pintaban, ¡horror!, metieron guitarras eléctricas y hasta un theremin casero. Todo mezclado, todo mezcludo. Y ahí apareció el tropicalismo de Caetano Veloso y Gilberto Gil, y los poetas Torquato Neto y Capinam y el director vanguardista Rogério Duprat y Tom Zé y Gal Costa y Nara Leao y era la dictadura y nada importaba.” 

 

 

No ano 72, nun dos momentos de máximo suceso do grupo, Rita Lee deixou Os Mutantes. Alegouse na época que a súa saída tiña causa nas diferenzas musicais cos irmáns Baptista, que daquela apostaban por un son máis semellante ao de bandas norteamericanas como Emerson, Lake & Palmer. Co tempo foise sabendo que na realidade a súa marcha -forzada, ela non tivo outra opción- estivo máis relacionada coa fin do seu casamento con Arnaldo, nunha época en que os integrantes do grupo vivían nunha comunidade hippie na Serra da Cantareira, na zona norte da cidade de São Paulo, onde o uso de diferentes drogas e as trocas de parceiros sexuais eran relativamente frecuentes.

A marcha da banda foi traumática para a Rita, mais propiciou o comezo da súa fecunda carreira en solitario, formada por máis de vintecinco discos nos que predomina a alegría vital, a falta de pudor sexual, as mesturas de rock, psicodelia e pop, as historias cotiás e divertidas.

osmutantes os-mutantes1

RitaLeeBuildUp Rita-Lee

 

Na entrevista de Osvaldo Bazán a propia artista explica as súas motivacións e intereses: “Las letras de mis canciones son bien calcadas de mi universo brasilero, soy hija de inmigrantes, descubrir Brasil es mi gran aventura en esta vida, y como buena tropicalista que soy, me gusta desfilar sin pudores por cualquier avenida musical del planeta.”  Si su gran aventura fue descubrir Brasil, habrá que reconocer que, a los 62 puede darse por satisfecha. En Grafitti se la ve componer un tema, Miss Brasil, con una letra propia que es una declaración de amor, de principios y de brasileridad al palo.

“Soy del tiempo de Mariacastaña/ cuando los bichos hablaban en Radio Nacional/ y había marchas de carnaval/ En los concursos de Miss/ ¡Ah, cómo era feliz!/ Era feliz.

De la época de la Guanabara/ De la bossa de Nara/ De los tropicalistas/ De los hippies comunistas/ De la voz de Elis.

¡Ah, cómo era feliz!/ Era feliz.

Soy de los nuevos tiempos/ Del final del vinilo/ Del boom de Madonna/ Del caos de Brasil/ Del desorden en el país/ ¡Ah, cómo era feliz!/ Era feliz.

Soy del tiempo, del tiempo/ Del exacto momento en que el mundo explotó/ Fue bueno que haya existido/ El Brasil de la utopía/¡Ah, como era feliz!/ Era feliz/ Yo era feliz.

Y lo sabía.”

 

 

Retirada dos escenarios -mais non da música- desde o 2012 polos seus problemas físicos  e convertida en icona contracultural no seu país, a propia Rita Lee explica a súa obrigada transición persoal dos últimos anos (do “sexo, droga e rock and roll” ao máis posmoderno “sexo, ioga e rock and roll”) e asiste divertida á aparición continuada de filmes documentais, ensaios e espectáculos sobre a súa vida e a súa traxectoria.

Se antes de te achegares a este post non a coñecías, oxalá a súa lectura puidese servir para espertar a túa curiosidade sobre ela. Nas Bibliotecas Municipais da Coruña en breve poderás atopar discos de Rita Lee e de Os Mutantes. 

 

Los crooners: Nino Bravo

Luis Manuel Ferri Llopis (1944-1973), más conocido como Nino Bravo, fue y sigue siendo uno de nuestros crooners más representativos del panorama musical español. Su muerte, acaecida cuando sólo contaba 28 años, no hizo más que aumentar la mitificación del ídolo.

nino

Luis Manuel comienza a trabajar a los 16 años en una joyeria valenciana, trabajo que compagina con su afición al canto. En 1962 funda el grupo Los Hispánicos con  Félix Sánchez y Salvador Aranda, el trio enseguida se hizo muy popular, actuando en  bailes y verbenas de la época. El grupo se disolvió pronto ya que sus compañeros decidieron que la música no era lo suyo.

La voz  de tenor dramático, potente y lírica, destaca en unos momentos en que la industria musical española  se encontraba huérfana de voces. En manos de managers locales y de su primer compositor: Manuel Alejandro, Luis Manuel no tarda en encontrar compañía discográfica.

Su primer mánager Miguel Siurán, lo bautiza con el pegadizo nombre de Nino Bravo. Pero sus comienzos no fueron fáciles. Su primer sencillo fue con las canciones Como todos y Es el viento de Manuel Alejandro, canciones que no le iban nada. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.

En 1969 el compositor Augusto Algueró entra en la vida del cantante y viene dispuesto a quedarse. Le compone la canción Te quiero, te quiero, y Nino consigue con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano.

Participa en la selección para Eurovisión en dos ocasiones. La primera en 1970 con la canción Esa será mi casa, que no consiguió llegar a la final, ganando Julio Iglesias con el tema Gwendolyne. Y para representar a España en 1971 con el programa Pasaporte a Dublín, con cantantes como Rocío Jurado y Karina entre otros.

Finalmente Karina ganaría con la canción En un mundo nuevo, quedando en segunda posición en Dublín.

Del trabajo de Nino con los compositores Pablo Herrero y José Luis Armenteros, quedan para el recuerdo las canciones Un beso y una flor y Libre, convertidos en auténticos himnos. La letra de la canción Libre, está inspirada en la historia de Peter Fechter, la primera persona que perdió la vida intentando saltar el muro de Berlín en 1962, tan sólo un año después de su construcción.

De entre todas sus canciones cabe destacar a parte de las nombradas los temas Noelia, Mi tierra, Mi gran amor, Esa será mi casa, y el tema póstumo América, América.

En 1971 se casa con Amparo Martínez Gil, con la que tuvo dos hijas. El 16 de Abril de 1973 el coche en el que viajaba Nino con tres personas más, se sale de la carretera y das tres vueltas de campana. Nino fallece de camino al sanatorio.

La temprana muerte de Nino Bravo lo convierte en mito casi al instante. En tan sólo cuatro años de vida artística, logra lo que otros necesitan años. Es imposible encontrar una sola mancha en su vida, tanto en la artística como en la humana. Triunfa casi enseguida, aunque con esfuerzo; se casa y tiene hijos pronto. Todo el mundo habla bien de él, parece que todo le sonríe, sin embargo la muerte le llega pronto.

En el Catálogo de las Bibliotecas Municipales puedes consultar la disponibilidad de mucha de su discografía:

  • Un beso y una flor
  • Todo Nino : la obra completa
  • Todos los Nº 1 de Nino Bravo
  • Nino Bravo: sus 50 mejores canciones

Los crooners: Matt Monro

mattNacido en Londres,Terrence Parsons (1930-1985), más conocido como Matt Monro, es el menor de cinco hermanos. Después de realizar varios trabajos, se alista en el ejército británico con sólo 17 años. Destinado como voluntario en Hong-Kong (por entonces colonia británica), comienza su carrera cantando en anuncios de televisión y con algunas orquestas británicas a comienzos de los años 50. Como ya apuntaba maneras para la canción, se fue presentando a diversos concursos locales de talentos musicales, ganando hasta siete concursos distintos. Tal fue su éxito que en la radio local de Hong-Kong, le dieron un programa musical  titulado “Canta Terry Parsons” a principios de los 50.

En 1953 vuelve a Gran Bretaña. Allí conoce a algunos músicos y lo ponen en contacto con un estudio de grabación, donde pudo grabar su primer sencillo Polka dots and moonbeams. Por esa época combinaba su trabajo diario como conductor de autobuses con la canción. Cantó para varias orquestas, y a la vez iba cambiando su nombre artístico para ver cual sonaba mejor.

En 1957 firmó con DECCA para un disco titulado Blue and sentimental, que fue un gran éxito. Le buscaron un nombre más comercial y por fin dieron con el de Matt Monro.

Con un reconocido sentido del swing, y siguiendo la estela de cantantes como Frank Sinatra, Monro obtuvo sus principales éxitos duante los años 60. Tuvo un gran éxito con las canciones de los anuncios comerciales, las marcas reclamaban su voz para cantar los temas de las distintas firmas. Hasta más de cuarenta a lo largo de su carrera.

En 1958 firma con el productor George  Martin, que estaba impresionado con su voz que tanto le recordaba a Sinatra. El tema You keep me swingin, le proporciona un contrato con la casa de discos Parlaphone. En 1960 con la balada Portrait of my love, llega a ser tercero en las listas británicas durante varios meses. De esta época son tambien sus éxitos My kind of girl o Softly, as I leave you, que se convertiría en su primer éxito en Estados Unidos. En 1962 lanza el álbum Matt Monro sings hoagy Carmichael, donde destaca la canción From Russia with love, que sería la banda original de la película  de James Bond del mismo título de 1963. Su siguiente tema Walk Away, se situa tambien los primeros puestos de Inglaterra y Estados Unidos.

En 1964 la BBC le propone representar al Reino Unido en el Festival de Eurovisión quedando en 2º lugar con el tema I love the things. Tras Eurovisión y el éxito de sus temas, se convierte en una estrella en Estados Unidos, multiplicandose sus conciertos por todo el mundo.

Con el tema Born Free de la película Nacida Libre, con música de John Barry, gana el Oscar a la mejor canción en el año 1966.

Graba sus canciones en español, pensando en el público hispano y con el tema Alguien cantó consigue un disco de platino. En 1965 versiona Yesterday, el famoso tema de Los Beatles, siendo un éxito en las listas americanas.

En la década de los 70, se convierte en el mejor vocalista masculino del Reino Unido y trabaja con compositores como Quincy Jones, Henry Mancini, Mantovani y con la Orquesta Filarmónica de Londres. Con su versión de My Way de Sinatra, fue record de ventas, y en 1976 llegó a cantar en el jubileo de los 25 años de la reina Isabel de Inglaterra la canción Walk away.

En 1980 con el álbum Heartbreakers, consigue un disco de oro, recibiendo muy buenas críticas en plenos años 80, manteniendose fiel a su estilo y a su público.

El crooner se encontraba en plena forma, haciendo giras por todo el mundo cuando la enfermedad acaba con sus vida en 1984.

Casado dos veces y con tres hijos, Matt Monro fue un clásico de las baladas, con una voz elegante e inconmensurable. Todo un crooner. En 2005 se lanzaron al mercado un recopilatorio de sus éxitos de siempre que arrasaron en ventas.

A día de hoy es fuente de inspiración de grandes crooners de la actualidad.

 

 

La canción del verano: Parte IV

bola1… Y en esto conocí las discotecas. !Qué cambio con respecto a las pequeñas boîtes!. Las discotecas, generalmente eran grandes espacios situados en sótanos de los edificios de las zonas más emblemáticas de las ciudades, la gente ya no era la que conocíamos de siempre, había de todo un poco. La música que se escuchaba aún se podía “dividir” entre lentas, para bailar agarrado o rápidas para bailar a tu rollo.
La música también iba evolucionando… de entre las bailables como así se llamaban recuerdo a los Gibson Brothers con su tema Cuba (1979), con su estribillo pegadizo en castellano que todos coreábamos, a la que siguió en 1980 el tema Que será mi vida, de características similares al anterior. Otro que se oía mucho era el cantante italiano Pino  D´angio, con su tema Ma quale idea (1980), ritmo pegadizo con un cierto tonillo sarcástico y con una voz muy italiana, lo cierto es que los italianos siempre me gustaron y triunfaron mucho, tanto con las baladas como con las discotequeras.
Y seguimos con los ritmos discotequeros de los que triunfaban todo el año: Blondie con su canción Call me (1980), de ritmo desenfrenado y que además pertenecía a la banda sonora de la película American gigolo que triunfaba en ese momento, con un joven Richard Gere de protagonista.


A finales de los ´70 y mediados de los ´80, surge un movimiento que en sí englobaba a varios géneros musicales la New Wave. De esta fábrica de hacer música podría nombrar incontable grupos y cantantes. Es tan amplio el término, que no tendría espacio para nombrar sus canciones, por citar alguno de los que más oía, aquí van unas cuantas: Roxy Music y su More than this (1982), The Buggles con su Video killed the radio star (1980), Madness y su alocado One step beyond (1979).


Hay grupos de los que aún conservo discografía esencial y que oigo repetidamente sin cansarme como por ejemplo a Simple Minds, Spandau Ballet, o los Tears for fears, sin olvidarme de Eurytmics o de los Pet shop boys.
Pero no creáis que me olvido de España. Aquí también llegó la New Wave en forma del genial Tino Casal con sus estilismos irrepetibles y con canciones como Billy boy (1981), Embrujada (1983), o la fabulosa Eloise (1987) cantada a pleno pulmón como diría mi madre, y que yo recordaba de oírla de pequeña cantada por Barry Ryan en 1968.


Los grupos La Unión con sus canciones Vivir al este del edén o Maracaibo, ambas de 1988, Los Secretos con los hermanos Urquijo a la cabeza y con canciones como Déjame (1981), Todo sigue igual (1982). Y no me voy a olvidar de Mecano y su primera etapa más tecno, con canciones como Hoy no me puedo levantar (1981), Me cole en una fiesta o Maquillaje (1982) o Barco a Venus (1983), por citar algunas de esta primera etapa.

Recuerda que todos estos discos están disponibles en nuestras bibliotecas municipales.

La canción del verano: Parte III

El Festival de Eurovisión, celebrado todos los años al comienzo de la primavera, era todo un acontecimiento musical, todos nos poníamos delante del televisor, esperando que ganase España… y sucedió en 1968.

La cantante Massiel con su tema La,la,la, se alzó por encima (1 punto) del representante inglés Cliff Richard. Todos cantamos el la,la,la de Massiel, no sólo ese verano sino muchos más. Al año siguiente (1969) España tuvo que repartir el premio con otros tres paises, pero Salomé también será recordada por su Vivo cantando.

En casa se escuchaba mucho a Raphael, el cantante de Linares, que ya era muy popular, recuerdo especialmente las canciones Yo soy aquel (1966), y Hablemos del amor (1968), con las que participó en el Festival de Eurovisión del ´66 y ´67 respectivamente. En aquellos años era nuestro cantante más internacional, y no paraba de sonar en la radio o en programas de la televisión.

Otro de los grupos que sonaba por aquellas fechas es el dúo americano Simon y Garfunkel, suyas son canciones tan oidas como The sound of silence (1966) o la archi conocida Bridge over troubled water (1970).

En el verano del ´73. Me regalaron el Lp del grupo americano Carpenters The singles 1969-1973 (1973)  que contenía sus éxitos hasta ese momento y a día de hoy es uno de mis discos de cabecera.

La película Fiebre del sábado noche (1978), va a marcar un antes y un después en el campo musical. El grupo inglés Bee Gees, que llevaba produciendo música desde los ´60, edita la banda sonora de la película y comienza lo que en música se conoce como la era disco. Cualquiera de las canciones del álbum tanto las llamadas rápidas como las también llamadas lentas, ocupan mucho espacio en mi memoria discográfica, y se bailaron en las discotecas hasta la saciedad. Inmenso disco.

La película Grease (1978) nos dejó a todos unas cuantas melodías imborrables como la interpretada por Travolta Summer Night, o la interpretada por Olivia Newton John  Hopelessley devoted to you, tanto una como otra eran consideradas como canciones lentas, aunque en la banda sonora hay otras canciones memorables con mucho más ritmo.

Ya estábamos inmersos en la música anglosajona. Y llega la época pre-discotequera, es decir las pequeñas boites, sitios donde tomar una copa, escuchar música y poder bailar. Generalmente en ellas nos reuníamos las pandillas, y con una o dos, según el espacio ya llenábamos el local. El lugar se prestaba para la música lenta, para bailar en pareja, y de esa época recuerdo el buen ambiente “pandillero” y algunos de mis mejores baladas. Las bandas de música eran las grandes protagonistas, de ellos recuerdo muy especialmente al grupo americano Boston y su canción More than a feeling (1976), a los californianos Eagles y su Hotel California (1976), a los suecos ABBA, ganadores del Festival de Eurovisión en 1974 con Waterloo con su estilo pop glam, que nos hacía bailar como locos. Y como no olvidarse del grupo britanico Queen, con su generosa mezcla de estilos. Su Rapsodia Bohemia (1975), está considerada como una de las mejores canciones del panorama musical.